quinta-feira

SEGUNDA CHANCE


SEGUNDA CHANCE (En chance til, 2014, Zentropa Entertainments, 102min) Direção: Susanne Bier. Roteiro: Susanne Bier, Anders Thomas Hansen. Fotografia: Michael Snyman. Montagem: Pernille Bech Christensen. Música: Johann Soderqvist. Figurino: Signe Sejlund. Direção de arte/cenários: Giles Balabaud, Louise Lonborg, Jacob Stig Olsson. Produção: Sisse Graum Jorgensen. Elenco: Nikolaj Coster-Waldau, Nikolaj Lie Kaas, Ulrich Thomsen, Thomas Bo Larsen, Roland Moller, Maria Bonnevie, Peter Haber, Ewa Froling. Estreia: 09/9/2014 (Festival de Toronto)

Comparada com as misérias com que tem contato em sua rotina como policial, o correto Andreas (Nikolaj Coster-Waldau) leva uma vida invejável: casado e pai de um recém-nascido, ele ainda encontra tempo para impedir seu parceiro de trabalho, Simon (Ulrich Thomsen), de seguir de vez o caminho da autodestruição, o qual vem seguindo desde o divórcio. A existência relativamente pacata de Andreas sofre um baque quando duas situações aparentemente distintas surgem à sua frente. Primeiro, ele e Simon encontram, durante uma batida policial no apartamento de um jovem casal viciado em drogas, um bebê em péssimas condições de higiene e correndo o risco iminente de ser esquecido pelos pais. Depois, ele  começa a perceber em sua esposa, Anna (Maria Bonnevie), sintomas de uma grave depressão pós-parto que o obriga a assumir com mais constância seu papel de pai. Os dois bebês, se tornarão, então, os catalisadores de uma tragédia inevitável.

Fosse fruto de um estúdio hollywoodiano, a trama descrita acima certamente apostaria no melodrama mais explícito, buscando as lágrimas do espectador e evitando qualquer tipo de discussão mais profunda. Felizmente não é o caso: "Segunda chance" é uma produção dinamarquesa, e assinada por Susanne Bier - vencedora do Oscar de melhor filme estrangeiro por "Em um mundo melhor", de 2010 - evita o sentimentalismo barato ao imprimir, em cada cena e em cada interpretação de seu elenco, um tom de urgência e angústia que mergulha a plateia em uma ciranda de dor e choque que apenas os grandes filmes conseguem apresentar com sobriedade. Dotado de um ritmo que reflete o turbilhão emocional de seus personagens, "Segunda chance" ainda tem a vantagem de contar com um elenco brilhante, no qual se destacam Nikolaj Coster-Waldau (da aclamada "Game of thrones") e Maria Bonnevie: como um casal que vê sua estabilidade emocional ruir de uma hora para outra, os dois atores entregam performances fortes, que colaboram com a sensação quase incômoda da produção. É preciso também louvar também o desempenho da jovem May Anderson, modelo sem experiência como atriz que, nas mãos hábeis de Bier, se transforma em uma intérprete poderosa, que em nada fica devendo a seus colegas com mais tempo de carreira.

 

 

Sem medo de soar pessimista, Susanne Bier (que também escreveu o roteiro, em quatro mãos com Anders Thomas Hansen) aponta sua câmera para um lado sórdido da Dinamarca, com seus problemas sociais invadindo sem cerimônia o mundo aparentemente mais seguro das classes menos vulneráveis. Sua trama empurra o público para uma discussão sobre ética e sobre como as noções de certo e errado podem estar sujeitas a interpretações pessoais e/ou por conveniência. O roteiro não poupa seus personagens e os mostra sob uma ótica complexa o suficiente para impedir qualquer tipo de maniqueísmo - algo que a cineasta sabe fazer com maestria, haja visto seu filme premiado com o Oscar. Apesar de contar sua história sob o ponto de vista de um homem, é inegável que há um toque feminino em sua condução: as mulheres, em seu filme, podem até parecer frágeis, mas são elas, de uma forma ou outra, que servem como catalisadoras do turbilhão que as envolve - e a seus maridos. Andreas pode ser o protagonista absoluto do filme, mas ele, assim como todos a seu redor, está preso em uma armadilha cujas consequências poderão ser avassaladoras. A balança moral proposta pelo filme chega ao máximo da ironia quando o policial toma atitudes que se poderiam esperar dos marginais que prende, mas não de um homem da lei: ao nivelar-se àqueles com quem batia de frente, Andreas descobre, da pior maneira possível, que nem sempre o discurso corresponde à realidade.

"Segunda chance" não é um filme para quem se contenta com dramas inócuos e sentimentaloides. É uma obra dura, seca e que atinge o espectador em suas crenças mais profundas, e deixa, ao final da sessão, uma sensação de desconforto e tristeza. Mas justamente por ousar fugir do lugar-comum, se apresenta como uma produção obrigatória, daquelas que permanecem na memória do público muito tempo depois de seu término. É (mais) uma pequena obra-prima de Susanne Bier.

segunda-feira

O DORMINHOCO


O DORMINHOCO (Sleeper, 1973, United Artists, 89min) Direção: Woody Allen. Roteiro: Woody Allen, Marshall Brickman. Fotografia: David M. Walsh. Montagem: O. Nicholas Brown, Ron Kalish, Ralph Rosenblum. Figurino: Joel Schumacher. Direção de arte/cenários: Dale Hennesy/Gary Moreno. Produção executiva: Charles H. Joffe. Produção: Jack Grossberg. Elenco: Woody Allen, Diane Keaton, John Beck. Estreia: 17/12/73

Até a estreia de "O dorminhoco", no final de 1973, o cinema de Woody Allen ainda era uma espécie de extensão de seu trabalho como comediante - mais como uma plataforma para desenvolver piadas verbais e físicas do que para exatamente contar uma história. Foi a partir de sua ambiciosa ideia de realizar um filme de ficção científica com início, meio e fim, que ele tornou-se, de fato, um homem de cinema, capaz de explorar sem medo todos os recursos da linguagem. Grande sucesso de crítica e de bilheteria (custou cerca de 2 milhões de dólares e rendeu quase dez vezes isso), "O dorminhoco" é a prova de que Allen também sabe ser popular, a despeito de sua imagem de humorista sofisticado. Com sequências hilariantes e diálogos impagáveis, seu quarto longa-metragem - se for descontado "O que há, tigresa", de 1966, no qual ele utilizava um filme já feito para dublar e editar à sua maneira - é o pontapé inicial de uma fase que culminaria em seus Oscar de filme, direção e roteiro original de "Noivo neurótico, noiva nervosa" (1977).

Se a maioria de suas comédias brinca com o surreal, "O dorminhoco" pode, facilmente, ser considerada a mais alucinada delas. Seu personagem, Miles Monroe, é um músico amador e dono de uma loja de comida natural que, hospitalizado para uma pequena cirurgia, se torna parte de uma experiência criogênica. Depois de duzentos anos dormindo, ele é acordado em 2173 e dá de cara com um mundo completamente diferente daquele que conhecia. Dominada pelo totalitarismo de um tirânico líder, a população sofre sob um regime violento e pouco afeito a qualquer tipo de questionamento. Para sua surpresa, Miles é considerado peça-chave na revolução que está sendo concebida por um grupo de rebeldes: sem nenhum registro junto a um governo que apagou toda e qualquer lembrança do passado, ele tem as características ideais para infiltrá-los em um novo projeto de poder. A princípio relutante em envolver-se em tal aventura, Miles muda de ideia quando passa a ser perseguido pelas forças políticas locais - e quando se apaixona pela alienada Luna (Diane Keaton), manter-se vivo se torna objetivo prioritário.

 

Logo que teve a ideia para o roteiro de "O dorminhoco", Woody Allen buscou respaldo junto ao escritor Isaac Asimov, célebre por seus livros de ficção científica: depois de um breve encontro em que o autor de "Eu, robô" confirmou a relativa plausibilidade, o cineasta deu asas à imaginação e acabou com a concepção de um ambicioso filme de três horas de duração, em que a primeira parte mostraria a vida do protagonista em 1973. Com a negativa da United Artists, restou a Allen concentrar seu foco no que teria sido a segunda metade de seu projeto, ou seja, o embate de Miles Monroe com um admirável mundo novo onde as regras são completamente opostas as conhecidas por ele - basta saber que, ao contrário do que se acreditava no final do século XX, comida gordurosa e cigarros são considerados benéficos à saúde - e seus desajeitados métodos para conquistar o amor de Luna (uma Diane Keaton no auge da beleza). Inspirado no humor de dois de seus ídolos, Groucho Marx e Bob Hope, o cineasta consegue fazer rir sem deixar de lado a inteligência que é sua característica mais marcante. Seja quando põe Miles disfarçado de robô ou quando ele pega um nariz como refém (sim, isso mesmo, um nariz), Allen sempre encontra um caminho único para buscar a gargalhada da plateia. É de se imaginar como seria o resultado do filme se ele realmente tivesse levado a cabo a ideia de realizá-lo sem diálogos.
 
Com 35 horas de material filmado e apenas 90 minutos em sua versão final, "O dorminhoco" é um passo adiante na carreira já promissora de Allen no começo da década de 1970, com uma cenografia cuidadosamente planejada (o diretor queria filmar em Brasília por causa de seu visual futurista, o que se mostrou proibitivo pelos altos custos) e um roteiro estruturado de forma mais madura que seus trabalhos anteriores. Finalizado dois dias antes de sua estreia, "O dorminhoco" ainda diverte mesmo depois de quatro décadas, com seu humor iconoclasta e debochado revelando um período brilhante de seu criador - que em seguida lançaria seu engraçadíssimo "A última noite de Boris Grushenko", uma homenagem impagável à literatura russa e que teria, em seu enredo principal, ecos das aventuras de Miles e Luna. Imperdível

sexta-feira

LADY BIRD: A HORA DE VOAR


LADY BIRD: A HORA DE VOAR (Ladybird, 2017, A24, 94min) Direção e roteiro: Greta Gerwig. Fotografia: Sam Levy. Montagem: Nick Houy. Música: Jon Brion. Figurino: April Napier. Direção de arte/cenários: Chris Jones/Traci Spadorcia. Produção executiva: Lila Yacoub. Produção: Eli Bush, Evelyn O'Neil, Scott Rudin. Elenco: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Timothée Chalamet, Lois Smith, Beanie Feldstein, Odeya Rush. Estreia: 01/9/2017 (Festival de Telluride)

5 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Diretor (Greta Gerwig), Atriz (Saoirse Ronan), Atriz Coadjuvante (Laurie Metcalf), Roteiro Original

Vencedor de 2 Golden Globes: Melhor Filme (Comédia/Musical), Atriz Comédia/Musical (Saoirse Ronan) 

Filmes que retratam o fim da adolescência e entrada na vida adulta são comuns, e frequentemente deslizam no sentimentalismo ou no humor grosseiro. Raramente surge uma produção que consegue unir sensibilidade, bom humor e inteligência. Talvez por isso "Lady Bird: a hora de voar" tenha se tornado um dos maiores sucessos de sua temporada. Realizado com um orçamento minúsculo (aproximadamente 10 milhões de dólares, o que não paga nem o cachê de nomes como Julia Roberts e Angelina Jolie), o filme de estreia da atriz Greta Gerwig como cineasta rendeu quase cinco vezes isso no mercado doméstico e chegou perto de 80 milhões em arrecadação internacional. Tal êxito - refletido também no aplauso unânime da crítica e das cerimônias de premiação, incluindo presença no Oscar e no Golden Globe - tem inúmeras explicações, mas talvez a maior delas seja justamente sua falta de pretensão: sem lances rocambolescos ou truques dramáticos lacrimosos, "Lady Bird" se desenrola diante do espectador como uma deliciosa crônica de amadurecimento pessoal, com uma protagonista adorável mas falível interpretada pela cada vez melhor Saiorse Ronan.

Revelada no elogiado "Desejo e reparação", que lhe rendeu uma indicação ao Oscar de atriz coadjuvante ainda na adolescência, Ronan conquistou a confiança da diretora logo de cara, ao fazer uma leitura do roteiro durante o Festival de Toronto de 2015. Ao deixar de lado o sotaque irlandês e assumir o visual de uma adolescente (mesmo que já tivesse passado dos vinte anos durante as filmagens), a jovem atriz dá continuidade a uma carreira que, apesar de ainda curta, já é uma das mais consistentes de Hollywood. Graças à direção segura de Gerwig, Ronan veste a personagem com naturalidade admirável e não teme soar desagradável de vez em quando - especialmente em sua relação com a mãe, Marion (Laurie Metcalf), e em suas tentativas de tornar-se popular mesmo sacrificando sua amizade com Julie (a ótima Beanie Feldstein, do igualmente ótimo "Fora de série"). Enquanto aguarda as respostas das universidades a que almeja, Lady Bird (cujo nome verdadeiro é Christine) ainda lida com os problemas inerentes à sua idade, como, por exemplo, sua busca por amor. Nessa busca, ela esbarra em Danny (Lucas Hedges), seu colega do grupo de teatro, e no personalíssimo Kyle (Timothée Chalamet).

 

A primeira versão do roteiro de Gerwig tinha, segundo a própria diretora, mais de 350 páginas - ou, se transformado em filme, algo em torno de seis horas de duração. Logicamente seu texto foi retrabalhado até chegar a aceitáveis 94 minutos. Nesse meio tempo, outro cineasta esteve envolvido nos bastidores da produção: namorado da atriz, a quem dirigiu em seu aplaudido "Frances Ha" (2012), Noah Baumbach chegou a se oferecer para comandar o filme - uma sugestão delicadamente rejeitada... e bem sucedida. Muito provavelmente Baumbach, a despeito de seu grande talento, não teria o mesmo carinho com que Gerwig trata suas criações. Mesmo quando mostra um lado pouco louvável dos personagens, o roteiro o faz com tanta verdade, tanto frescor, que é difícil não se deixar cativar. Lady Bird é uma adolescente cheia de falhas, mas também é repleta de qualidades - e é nessa dualidade, nessa complexidade que reside a genialidade do desempenho de Saoirse Ronan. Ela não cria uma personagem imaculada para conquistar a plateia, e sim um ser humano o mais perto possível do real, que envolve o público tanto por seus erros quanto por seus acertos.

"Lady Bird" estreou no Festival de Telluride, em setembro de 2017 e, a partir daí, tornou-se figurinha fácil em festivais de cinema e integrante fixo das listas de melhores filmes do ano. Levou pra casa os Golden Globes de melhor filme e melhor atriz (ambos na subcategoria musical ou comédia) e chegou à cerimônia do Oscar com cinco indicações importantíssimas, inclusive melhor filme e direção. Pode não ter sido feliz em converter as indicações em estatuetas, mas foi realizado o desejo de Gerwig em realizar um filme sobre a entrada na vida adulta de uma personagem feminina como contraponto aos bem-sucedidos "Boyhood: da infância à juventude" (2014) e "Moonlight: sob a luz do luar" (2016). Do primeiro traz o sabor de crônica do dia-a-dia, e do segundo, um tom de poesia e certa melancolia. De ambos, apresenta um produto final que mostra a força do cinema independente - e a coragem de nadar contra a maré e evitar o drama fácil. "Lady Bird: a hora de voar" é uma pérola. Um clássico instantâneo e atemporal.

quarta-feira

JUVENTUDE


JUVENTUDE (Youth, 2015, Indigo Film/Barbary Film/Pathé, 124min) Direção e roteiro: Paolo Sorrentino. Fotografia: Luca Bigazzi. Montagem: Cristiano Travagiogli. Música: David Lang. Figurino: Carlo Poggioli. Direção de arte/cenários: Ludovica Ferrario/Noel Godfrey. Produção executiva: Viola Prestieri. Produção: Carlotta Calori, Francesca Cima, Nicola Giuliano. Elenco: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda. Estreia: 20/5/2015 (Festival de Cannes)
 

Indicado ao Oscar de Melhor Canção Original ("Simple Song #3)

 O músico Fred Ballinger (Michael Caine), um veterano maestro consagrado por uma série de composições chamada "Simple songs", está passando uma temporada em um sofisticado spa localizado nos alpes suíços, acompanhado da filha e empresária, Lena (Rachel Weisz) - que está passando por uma séria crise em seu casamento. Aposentado, Ballinger é procurado por um emissário da realeza britânica para que faça uma apresentação no aniversário do Príncipe Philip - uma missão que não o interessa nem um pouco. A seu lado, dividindo lembranças de seus dias de mocidade, está o cineasta Mick Boyle (Harvey Keitel), que aproveita o descanso para, junto com uma equipe de roteiristas, criar seu novo projeto, que ele julga ser seu último grande filme. Amigos há décadas, os dois guardam na lembrança não apenas de dias livres das doenças da velhice, mas também da mulher que enfeitiçou a ambos - e tem, em comum, laços de parentesco: o filho de Mick é genro de Ballinger, o responsável pelo sofrimento de Lena, uma mulher torturada pela memória do casamento turbulento dos pais. Cercados pela beleza estonteante do lugar onde descansam, Ballinger e Boyle ainda convivem com excêntricos hóspedes do spa, como o jovem ator Jimmy Tree (Paul Dano), que está pesquisando para um novo papel, e um jogador de futebol aposentado lutando contra o declínio de sua forma física.

A trama de "Juventude" - primeiro trabalho do cineasta italiano Paolo Sorrentino depois do Oscar de melhor filme estrangeiro por "A grande beleza", de 2013 - é aparentemente superficial, mas que o espectador não se iluda: por trás da simplicidade do roteiro, escrito pelo próprio diretor, há uma poesia e uma melancolia que impõem ao filme um ritmo próprio, contemplativo mas nunca pedante ou aborrecido. Pelo contrário, "Juventude" tem, ao lado de momentos dramáticos de cortar o coração, um insuspeito senso de humor que quebra a seriedade de seu desenvolvimento. Um diretor acostumado à estranheza - afinal foi ele quem vestiu Sean Penn de roqueiro oitentista decadente em "Aqui é o meu lugar" (2013), e o colocou atrás do nazista responsável pelas humilhações sofridas por seu pai em um campo de concentração -, Sorrentino não faz a menor questão de fazer de seu filme um produto de fácil assimilação, mas engana-se quem pensa que isso faz dele algo inatingível. Da forma como é apresentado, "Juventude" é um filme que demora a fazer sentido, tarda a ressoar no coração da plateia: não à toa, o próprio Michael Caine não resistiu às lágrimas ao assisti-lo pela primeira vez. Sua mensagem - uma lição sobre aproveitar as coisas boas da vida enquanto há tempo para isso - é apresentada de maneira tão delicada que passa quase despercebida. Coisa de mestre!

Plasticamente deslumbrante - cortesia das belas paisagens dos alpes suíços e da fotografia caprichada de Luca Bigazzi - e dirigido com precisão, "Juventude" é, também, um desfile de boas atuações, com um elenco de sonhos, que mistura veteranos consagrados com jovens talentos. Enquanto Michael Caine e Harvey Keitel deitam e rolam com personagens que lhes caem como uma luva (Fred Ballinger foi escrito especialmente para Caine), novas gerações de atores são representadas por Paul Dano - quase silencioso, mas eficaz como sempre - e Rachel Weisz - dona de ao menos uma cena emocionalmente brilhante, quando declara ao pai suas lembranças de infância. Não bastasse esse quarteto brilhante, Sorrentino ainda reserva ao espectador outro presente: uma pequena participação especial de Jane Fonda como uma atriz veterana que enterra de vez os planos de sucesso de Mick Boyle. Fonda chegou a ser indicada ao Golden Globe de atriz coadjuvante, sendo uma espécie de representante de seus colegas, todos eles absolutamente merecedores de indicações e prêmios. Atores capazes de transmitir muito sem que precisem de longos diálogos, Caine, Keitel, Dano e Weisz encontraram na direção minimalista de Sorrentino um caminho rico e eficiente para trabalhos de destaque em suas carreiras já vitoriosas.

E se não bastasse um elenco impecável, um visual arrebatador e um roteiro com diálogos inspirados, "Juventude" ainda oferece ao público pequenos prazeres escondidos aqui e ali, em graus distintos de dificuldade para serem decodificados. Se o jogador de futebol aposentado, com sobrepeso e problemas de vício pode ser facilmente reconhecido como uma representação do ídolo argentino Diogo Maradona, o cineasta interpretado por Harvey Keitel é, segundo o diretor, um mistura entre Roger Corman, Sidney Lumet e William Friedkin. Até mesmo o fio condutor da trama - a recusa de Ballinger em tocar em um evento para o Príncipe Philp - tem ligações com a realidade: o músico Riccardo Muti também não se acertou com a realeza britânica quando convidado para um espetáculo privado e o fato inspirou Sorrentino a ponto de o diretor escrever sobre ele em um diário e, posteriormente, transformar tal incidente em um dos pontos altos de sua (ainda) curta filmografia. Com tantos pontos positivos, "Juventude" é uma pequena obra-prima, mas que fique bem claro: não é um filme para públicos menos pacientes, que vibram com blockbusters de orçamentos inchados. É, isso sim, um biscoito fino, a ser degustado com o coração e a alma.

VAMPIROS DO DESERTO

VAMPIROS DO DESERTO (The forsaken, 2001, Screen Gems/Sandstorm Films, 90min) Direção e roteiro: J. S. Cardone. Fotografia: Steven Bernstein...