EM QUALQUER OUTRO LUGAR

EM QUALQUER OUTRO LUGAR (Anywhere but here, 1999, 20th Century Fox, 114min) Direção: Wayne Wang. Roteiro: Alvin Sargent, romance de Mona Simpson. Fotografia: Roger Deakins. Montagem: Nicholas C. Smith. Música: Danny Elfman. Figurino: Betsy Heinman. Direção de arte/cenários: Donald Graham Burt/Barbara Munch. Produção executiva: Ginny Nugent. Produção: Laurence Mark. Elenco: Susan Sarandon, Natalie Portman, Shawn Hatosy, Bonnie Bedelia, Thora Birch, John Carrol Lynch, Hart Bochner, Paul Guilfoyle, Megan Mulally, Caroline Aaron. Estreia: 17/9/99 (Festival de Toronto)

Se alguém ainda duvida do poder que duas atrizes de primeiro gabarito tem em transformar uma ideia simples e banal em um filme interessante, esse alguém precisa assistir a "Em qualquer outro lugar". Baseado em um romance nada memorável de Mona Simpson - irmã biológica de Steve Jobs - e dirigido sem muita criatividade por Wayne Wang (responsável pelo belo "O clube da felicidade e da sorte"), o filme, que retrata a difícil relação entre mãe e filha de personalidades conflitantes, sustenta-se basicamente no duelo de interpretações travado entre Susan Sarandon e Natalie Portman, que tomam para si a responsabilidade de dar consistência e emoção a personagens complexas que, em mãos menos sensíveis, poderiam soar apenas chatas e desagradáveis.

Ciente de que merece mais oportunidades que sua pequena Bay City lhe proporciona, a inquieta Adele August (Susan Sarandon) abandona o segundo marido e parte para Beverly Hills acompanhada da filha de 14 anos, a introvertida Ann (Natalie Portman), a quem ela deseja transformar em uma atriz. Fazendo a viagem conta a sua vontade, Ann - cujo contato com o pai foi perdido ainda nos primeiros anos da infância - começa a afastar-se ainda mais da mãe, uma mulher forte e determinada, mas equivocada na forma como leva a vida. Mudando-se constantemente e buscando sempre emoções novas - o que na prática tanto se resume a conquistar homens que podem lhe dar o conforto procurado quanto ambicionar um estilo de vida mais confortável e luxuoso - Adele muitas vezes demonstra ser mais imatura que a filha, cujo único objetivo imediato é terminar a escola, para mais tarde tentar entrar em uma faculdade, longe dos delírios de sua mãe.

Com uma linha narrativa frágil e sem maiores lances dramáticos - nem mesmo uma inesperada e trágica morte altera o tom naturalista proposto por Wang, um cineasta com bom olho para a variação de nuances de suas atrizes - "Em qualquer outro lugar" pode ser descrito sem medo como um filme "para mulheres", já que concentra-se exclusivamente no ponto de vista feminino da história, relegando os homens a meros coadjuvantes unidimensionais. Tal opção, ainda que válida, acaba por limitar o alcance da obra e lhe tirando as possibilidades de agradar a um público mais amplo - o que explica sua bilheteria pouco representativa mesmo com o relativo poder de fogo de Sarandon, na época já premiada com o Oscar por seu trabalho em "Os últimos passos de um homem". Uma das grandes atrizes de sua geração, ela domina cada sequência com um carisma gigantesco, que impede a rejeição à uma personagem que não é exatamente simpática: irresponsável, carente e muitas vezes egoísta, sua Adele só encontra redenção em seu amor (distorcido, mas ainda assim amor) pela filha, vivida por uma ainda iniciante Natalie Portman - que entrou no elenco como exigência absoluta de Sarandon. Linda como sempre, Portman mostra a cada momento o porquê da instransigência de sua mãe fictícia: juntas, elas são o corpo e a alma do filme.

Resumir "Em qualquer outro lugar" não é empolgante. A história é banal, quase clichê. As personagens raramente ultrapassam os limites do superficial - e quando o fazem devem isso a suas talentosas protagonistas. A narrativa não é criativa, apesar de compensar tal característica na seriedade e na placidez. Mas ao mesmo tempo é difícil não se deixar envolver pelo filme de Wang, já que ele tem a inteligência de apoiar-se quase exclusivamente em suas atrizes centrais, tão espetaculares e carismáticas que disfarçam todo e qualquer momento de tédio. É, literalmente, um filme que vale pelo elenco.

UMA CARTA DE AMOR

UMA CARTA DE AMOR (Message in a bottle, 1999, Warner Bros, 131min) Direção: Luis Mandoki. Roteiro: Gerald DiPego, romance de Nicholas Sparks. Fotografia: Caleb Deschanel. Montagem: Steven Weisberg. Música: Gabriel Yared. Figurino: Bernie Pollack. Direção de arte/cenários: Jeffrey Beecroft/Dorree Cooper, Elaine O'Donnell, CC Perkinson. Produção: Kevin Costner, Denise DiNovi, Jim Wilson. Elenco: Kevin Costner, Robin Wright-Penn, Paul Newman, John Savage, Ileana Douglas, Robbie Coltrane. Estreia: 12/02/99

Primeiro romance de Nicholas Sparks a ser adaptado para o cinema - antes, portanto, que a fórmula de seus livros se tornasse facilmente reconhecível a qualquer espectador, por mais distraído que seja - "Uma carta de amor" é, também, um dos melhores filmes baseados em sua obra, normalmente exagerada no dramalhão a ponto da superficialidade. Marcando também o retorno de Kevin Costner às boas graças do público depois de um período negro em que estrelou fracassos retumbantes como "Waterworld, o segredo das águas" e "O mensageiro", o filme de Luis Mandoki é um drama romântico à moda antiga, feito sob medida para quem gosta de se emocionar ao assistir a uma bela e devastadora história de amor.

Mesmo que não tenha sido um sucesso extraordinário de bilheteria, "Uma carta de amor" devolveu a Costner - um dos astros mais quentes do final dos anos 80 e do começo da década de 90 - um pouco do respeito e do prestígio acumulado com êxitos acachapantes com "Os intocáveis", "JFK", "O guarda-costas" e principalmente "Dança com lobos", sua estreia como diretor e que lhe rendeu o Oscar da categoria (além de outras seis estatuetas, incluindo melhor filme). Deixando de lado sua tendência à megalomania e seu ego exarcebado (apesar de ainda assinar como um dos produtores), Costner entrega à plateia uma das melhores e mais naturais atuações de sua carreira, mostrando que, apesar dos erros monumentais de sua trajetória, ele é um astro de grande carisma, especialmente quando tem a seu lado atores do porte de Paul Newman e Robin Wright Penn, capazes de iluminar qualquer cena com seu imenso talento. São eles que dão à trama - nada especial e até um tanto previsível - o charme e a credibilidade necessários para que ela se torne uma experiência interessante e comovente.

Apesar do nome de Costner ser o primeiro dos créditos, a verdadeira protagonista é Theresa Osborne, a personagem vivida pela bela Robin Wright (então Penn): pesquisadora do jornal Chicago Tribune, ela encontra, durante um período de descanso à beira do mar, uma garrafa contendo uma bela e triste carta romântica, endereçada a uma mulher chamada Catherine. Comovida com o texto e intrigada com uma possível história a ser publicada - principalmente quando descobre outras cartas escritas pelo mesmo autor, ela investiga o caso com a ajuda de uma colega de trabalho e chega até uma pequena cidade costeira, onde conhece Garrett Blake (Costner), um viúvo charmoso e introvertido que vive às turras com a família de sua falecida mulher e se recusa a esquecer o passado. Encantada com Garrett, Theresa esconde dele o real motivo de sua visita e os dois acabam se envolvendo. Ela, desiludida com um divórcio recente e ele ainda enfrentando um luto de dois anos, se apaixonam perdidamente, redescobrindo sentimentos que consideravam enterrados dentro de si. Mas será que Garrett saberá compreender as razões que levaram Theresa a ocultar a verdade sobre seu encontro?

Mesmo que esteja longe de ser uma obra-prima - em parte porque o roteiro não dá espaço a um aprofundamento maior aos personagens e à trama e em parte porque a intenção do filme é apenas emocionar seu público - "Uma carta de amor" cumpre o que promete. É um romance adulto, estrelado por atores competentes (Paul Newman dá show em cada cena em que aparece como o ranzinza pai de Costner) e com uma história que não tenta inventar a roda, mas prende a atenção do início até o final trágico como é comum na obra de Sparks. Com uma química potente entre Kevin Costner e Robin Wright Penn, é também um dos romances mais consistentes de sua época. Os fãs não tem do que reclamar.

UMA HISTÓRIA REAL

UMA HISTÓRIA REAL (The Straight story, 1999, Asymmetrical Productions/Canal +/Channel Four Films, 112min ) Direção: David Lynch. Roteiro: John Roach, Mary Sweeney. Fotografia: Freddie Francis. Montagem: Mary Sweeney. Música: Angelo Badalamenti. Figurino: Patricia Norris. Direção de arte/cenários: Jack Fisk/Barbara Haberecht. Produção executiva: Pierre Edelman, Michael Polaire. Produção: Neal Edelstein, Mary Sweeney. Elenco: Richard Farnsworth, Sissy Spacek, Jane Galloway Heitz, Joseph A. Carpenter, Donald Wiegert, Everet McGill, Harry Dean Stanton. Estreia: 21/5/99 (Festival de Cannes)

Indicado ao Oscar de Melhor Ator (Richard Farnsworth)

Antes de começar uma sessão de "Uma história real" é preciso esquecer que seu diretor, David Lynch, é o cérebro por trás de obras perturbadoras como "Veludo azul" e "Coração selvagem" - além da telessérie "Twin Peaks", que mudou de forma definitiva a maneira como a televisão era feita nos EUA em 1991. Pela primeira dirigindo um roteiro alheio (e baseado em uma história verídica), Lynch demonstrou um lado sensível, carinhoso e delicado que pegou de surpresa até mesmo a seus fãs mais fiéis, que viram nele uma faceta menos macabra e bizarra de seu realizador. Até mesmo a Academia de Hollywood se viu obrigada a reconhecer a excelência do resultado final, dando ao protagonista do filme, Richard Farnsworth, a indicação ao Oscar de melhor ator. Aos 79 anos na ocasião, Farnsworth tornou-se o mais velho indicado da categoria em todos os tempos, e infelizmente, meses depois da cerimônia que premiou Kevin Spacey - por "Beleza americana" - suicidou-se ao saber de um diagnóstico de câncer.

Em uma atuação que equilibra fragilidade física com extrema força emocional, Farnsworth transforma a odisseia de um homem em busca de reatar laços familiares perdidos em um um comovente tratado sobre a velhice, a solidão e a força da solidariedade entre desconhecidos. Comandando o espetáculo a bordo de uma máquina de cortar grama adaptada a um trator, o veterano ator conquista o público e os personagens que cruzam seu caminho sem muito esforço, graças também ao script fluente e à edição que, fugindo da pressa habitual do cinema americano da década de 90, contempla e retrata com suavidade a placidez a trajetória do seu protagonista rumo a seu objetivo principal. Traçado como uma linha reta e simples - mas jamais simploria ou rasa - o roteiro de Sweeney e John Roach cativa a audiência justamente pela ausência de artifícios ou reviravoltas: a história de Alvin Straight é formada apenas por sua férrea determinação e por sua inusitada viagem rumo à paz de espírito.

Alvin Straight, o protagonista do filme, é um senhor de 73 anos de idade, aposentado, que vive em uma zona rural do estado de Iowa ao lado de uma de suas filhas, Rose (Sissy Spacek) - uma mulher com problemas mentais que não se conforma com a perda da guarda dos filhos. Ao ficar sabendo que seu irmão mais velho, Lyle (com quem está sem falar há dez anos, desde que tiveram uma briga) sofreu um enfarte, ele resolve procurá-lo, com o objetivo de reatar a relação. Fisicamente prejudicado pela idade, ele é desencorajado por todos ao seu redor, mas, inabalável em sua decisão, ele transforma seu cortador de grama em um pequeno trator e inicia uma viagem até o Wisconsin, enfrentando chuva, sol e problemas mecânicos no caminho. Suas dificuldades, porém, são amenizadas graças às amizades que vai fazendo no trajeto - que o fazem refletir sobre sua vida, sua família e a transitoriedade dos problemas frente à grandeza do universo.

É surprendente como David Lynch consegue se reinventar como diretor em "Uma história real": abandonando totalmente as características que lhe deram fama e prestígio, ele apresenta ao espectador um drama desprovido de qualquer tipo de truque sentimental ou de narrativa. Limpa e sem excessos, sua direção apenas deixa nas mãos (e nos olhos) extremamente competentes de Richard Farnsworth o maior trabalho, e é impossível não se deixar envolver por ele. Recitando diálogos aparentemente simples mas repletos de significados poéticos e de uma profundidade dramática rara no cinema norte-americano, ele encarna um Alvin Straight dolorosamente real e comovente, que cruza com outros personagens igualmente impactantes, como uma jovem grávida incapaz de lidar com a própria família, um homem de idade atormentado pelos fantasmas da guerra e uma mulher desesperada com o fato de atropelar veados com uma frequência muito maior do que poderia suportar - uma cena, aliás, que poderia resvalar no mau-gosto mas que, sob a visão de Lynch, acaba se tornando uma metáfora perfeita sobre a brevidade da vida.

Uma pequena obra-prima de delicadeza e sensibilidade perdida em uma filmografia frequentemente assustadora e chocante, "Uma história real" é um dos melhores trabalhos de David Lynch, e um deslumbrante canto do cisne de Richard Farnsworth. Imperdível!

HURRICANE - O FURACÃO

HURRICANE - O FURACÃO (The Hurricane, 1999, Universal Pictures, 146min) Direção: Norman Jewison. Roteiro: Armyan Bernstein, Dan Gordon, livros "The 16th Round", de Rubin "Hurricane" Carter e "Lazarus and the Hurricane", de Sam Chaiton e Terry Swinton. Fotografia: Roger Deakins. Montagem: Stephen Rivkin. Música: Christopher Young. Figurino: Aggie Guerard-Rodgers. Direção de arte/cenários: Philip Rosenberg/Gordon Sim. Produção executiva: Marc Abraham, Irving Azoff, Thomas A. Bliss, Rudy Langlais, Tom Rosenberg, William Teitler. Produção: Armyan Bernstein, Norman Jewison, John Ketcham. Elenco: Denzel Washington, Deborah Kara Unger, Liev Schrieber, John Hannah, Dan Hedaya, Vicellous Reon Shannon, Clancy Brown, David Paymer, Rod Steiger, Debbi Morgan. Estreia: 17/9/99 (Festival de Toronto)

Indicado ao Oscar de Melhor Ator (Denzel Washington)
Vencedor do Golden Globe de Melhor Ator/Drama (Denzel Washington)

Em 1966, o lutador de boxe Rubin "Hurricane" Carter, forte candidato ao título de campeão mundial de peso médio, foi preso, acusado de múltiplo homicídio. Condenado a três penas de prisão perpétua, ele nunca cansou de clamar inocência, chamando a atenção dos ativistas pelos direitos civis dos negros e de personalidades como o lutador Muhamad Ali, a atriz Ellen Burstyn e o cantor Bob Dylan, que inclusive compôs uma canção de protesto narrando os fatos que levaram o atleta à prisão e levantando a clara hipótese de perseguição racial. Tal história, um dos mais contundentes retratos das diferenças sociais dos EUA na década de 60 rendeu dois livros: um, escrito pelo próprio Carter, narrava sua vida repleta de preconceito e violência. O outro, mais inspirador, revelava a relação entre ele e um adolescente negro chamado Lesra, que, se identificando com a biografia do boxeador, convenceu seus tutores canadenses a colaborar na tentativa de um novo julgamento, mais de 30 anos depois de sua condenação. Essa história - escrita pelos professores do rapaz - foi o que serviu de base para "Hurricane, o furacão", a versão cinematográfica que quase deu o Oscar de melhor ator a Denzel Washington em 2000. Dirigido pelo veterano Norman Jewison - cujo "No calor da noite" também tinha o preconceito racial como mote dramático - a história de Rubin Carter chegou às tela cercada de elogios, mas não passou incólume ao teste da realidade: acusado de distorcer os fatos em favor do protagonista, o filme sofre de uma parcialidade que dilui sua denúncia (apesar de não diminuir seu valor como arte).

Fabuloso na pele de Rubin Carter, Denzel Washington levou o Golden Globe de melhor ator dramático, mas perdeu o Oscar para Kevin Spacey, brilhante em "Beleza americana". Alguns chegaram a culpar as controvérsias geradas pelo roteiro do filme - como a criação do personagem Della Pesca, vivido por Dan Hedaya, uma espécie de Javert (de "Os miseráveis", de Victor Hugo) em sua busca incessante pela condenação do protagonista desde sua infância - para enfatizar a conotação racial da perseguição. É possível que tais polêmicas tenham realmente respingado em Denzel, mas o fato é que nem mesmo sua atuação visceral consegue esconder a irregularidade do trabalho de edição e da fragilidade da estrutura do roteiro, que muda de tom e foco repentinamente, prejudicando inclusive o ritmo empolgante de sua primeira hora. Contando praticamente dois filmes em um só - a divisão fica clara entre os dois livros que lhe deram origem - Jewison não consegue manter a unidade de sua narrativa, deixando de lado, por exemplo, a montagem fora de ordem cronológica de seus primeiros minutos, que conquistam a audiência sem muito esforço. O terço inicial do filme, forte e dramático, logo é substituído por um tom mais ameno e pacifíco que, se corresponde às mudanças espirituais do protagonista em seu processo de amadurecimento na cadeia, deixa o produto final com menos força do que poderia se mantivesse a fúria do começo.

A trama já começa com a prisão de Carter, em 1966, juntamente com um amigo, igualmente negro, pela morte de três pessoas em um bar. Reconhecido por uma testemunha ocular retratada no filme como incapaz de tal - e coagida por um policial que persegue o lutador desde que ele ainda era uma criança, ele é imediatamente preso e, depois de um julgamento pouco mostrado em cena (o que dá margem às dúvidas sobre a veracidade de seu rigor histórico) é condenado e, rebelde, impõe sua forte personalidade junto às autoridades policiais, trocando o dia pela noite, estudando seu próprio caso e escrevendo sua biografia, chamada "O 16º round". O livro se torna um sucesso e, sete anos depois, cai nas mãos de um jovem negro chamado Lesra (Vicellous Reon Shannon), que, identificando-se com a história do famoso presidiário, inicia com ele uma correspondência fraternal. Morando no Canadá com três tutores que veem nele um futuro que estava ameaçado pelo descaso paterno e familiar, Lesra acaba por convencer seus amigos a iniciarem uma campanha que exija um novo julgamento para Carter - com base em incoerências durante o processo, eles desejam anular as sentenças.

É difícil não gostar de "Hurricane, o furacão": a direção de atores de Norman Jewison é certeira, extraindo de cada ator a expressão mais correta e apropriada, a trilha sonora de Christopher Young é eficaz, e a história é contada de forma emocionante, ainda que burocrática em seus dois terços finais. Além do mais, Denzel Washington entrega uma performance avassaladora, equilibrando fúria e desespero nas medidas certas. Mas talvez com mais ousadia no roteiro e na direção um filme bom poderia ter se transformado em uma pequena obra-prima. A falta de coragem dos produtores talvez tenha sido o golpe fatal para suas intenções. Mesmo assim, é um dos grandes filmes da temporada 99.

DO FUNDO DO MAR

DO FUNDO DO MAR (Deep blue sea, 1999, Warner Bros, 105min) Direção: Renny Harlin. Roteiro: Duncan Kennedy, Donna Powers, Wayne Powers. Fotografia: Stephen Windon. Montagem: Derek G. Brechin, Dallas S. Puett, Frank J. Urioste. Música: Trevor Rabin. Figurino: Mark Bridges. Direção de arte/cenários: Joseph Bennett, William Sandell/Debra Echard. Produção executiva: Bruce Berman, Duncan Henderson, Jonathan Schwartz. Produção: Akiva Goldsman, Tony Ludwig, Don MacBain, Alan Riche. Elenco: Thomas Jane, Samuel L. Jackson, Saffron Burrows, Michael Rapaport, Jacqueline McKenzie, Stellan Skarsgaard, LL Cool Jr., Aida Turturro. Estreia: 26/7/99

A sequência inicial não deixa dúvidas da influência do clássico de Steven Spielberg: sob o ponto de vista de um gigantesco tubarão, um grupo de jovens ruidosos e irresponsáveis se diverte em um barco de recreio, sem imaginar que estão em vias de virar uma saborosa e farta refeição - ao menos até que a providência divina, na figura do bravo Carter Blake (Thomas Jane), interfira a favor dos humanos e impeça a carnificina. As semelhanças com o primeiro grande sucesso de Spielberg e o divertido "Do fundo do mar", porém, ficam apenas nessas primeiras cenas e na temática: exagerado, violento e por vezes involuntariamente engraçado, o filme de Renny Harlin - autor de "Duro de matar 2" e alguns dos maiores fracassos de bilheteria da década de 90, incluindo "A Ilha da Garganta Cortada", estrelado por sua então esposa Geena Davis - substitui a sutileza e o suspense de "Tubarão" pelos excessos típicos da megalomania de sua época. Feito com todos os recursos que um orçamento generoso pode oferecer, "Do fundo do mar" é um entretenimento escapista da melhor estirpe, desde que se deixe de lado o senso crítico e se embarque sem restrições na montanha-russa proposta pela trama absurda e inverossímil.

O herói da cena de abertura, Carter Blake - vivido pelo péssimo Thomas Jane, que depois assumiria o papel do Justiceiro em um filme que decepcionou crítica, fãs do personagem e público em geral - trabalha em um centro de pesquisas que busca a cura para o mal de Alzheimer, localizado em uma estação perdida em alto-mar. Conhecedor dos hábitos dos tubarões, ele ajuda a líder dos cientistas, Susan McCallister (a terrível Saffron Burrows) a manter as pesquisas - já em estado avançado e animadoras - a despeito da falta constante de verba. O problema financeiro, porém, parece estar em vias de acabar quando o magnata Russell Franklin (Samuel L. Jackson) visita as instalações e fica encantado com a seriedade do projeto, que também conta com o trabalho do dr. Jim Withlock (Stellan Skarsgaard) e dos jovens Tom Scoggins (Michael Rapaport) e Janice Higgins (Jacqueline McKenzie). O que deixa o milionário mais impressionado é saber que os tubarões estudados no local tiveram sua genética alterada pelos médicos, o que os deixaram muito mais inteligentes que os outros de sua espécie. Capazes de pensar muito mais rápido, se moverem com mais presteza e até de nadarem para trás, os enormes animais se tornam uma ameaça quase impossível de superar, porém, quando se revoltam contra os humanos à sua volta: depois de um inesperado e violento ataque de um deles, as coisas saem do controle e sobreviver à sanha assassina dos tubarões passa a ser o único objetivo de todos - inclusive de Preacher (LL Cool J), o cozinheiro das instalações.

Sem preocupar-se com o desenho dos personagens - que basicamente estão em cena para virarem comida de tubarão - a trama de "Do fundo do mar" é, na verdade, pretexto para levar o espectador a duas horas de uma diversão pura e simples. Mesmo prejudicado pela dupla central de atores - sem carisma e com talento dramático nulo - o filme de Harlin cumpre o que promete: tem ritmo, prega alguns bons sustos e diverte o bastante a ponto de esconder as inconstâncias do roteiro. A presença no elenco de nomes consagrados como Samuel L. Jackson e Stellan Skarsgaard dá uma certa credibilidade ao projeto, e o orçamento de 60 milhões de dólares não deixa que a alma de filme trash assuma o comando do resultado final, mas o fato é que, com sua mistura de cientistas malucos, violência extrema e diálogos muitas vezes canhestros, o filme dificilmente pode ser levado a sério. Esse choque entre o que ele realmente é e o que o estúdio quis promover acabou comprometendo seu desempenho nas bilheterias - em uma época onde superproduções de verão normalmente ultrapassavam a barreira dos 100 milhões de arrecadação, "Do fundo do mar" passou timidamente dos 70 no mercado doméstico. Erro de quem vendeu e erro de quem não quis comprar um dos filmes mais insanamente divertidos da temporada.

Para quem gosta de assistir a um filme sem compromissos com a realidade "Do fundo do mar" é um passatempo perfeito: recheado de personagens que servem unicamente para serem devorados sem pena nem dó pelos gigantescos tubarões (nem sempre convincentes mesmo com efeitos visuais de última geração), com altas doses de adrenalina e até um pouco do humor infame comum aos filmes do gênero - cortesia do rapper LL Cool J - o filme de Renny Harlin não decepciona. Basta se deixar levar, devorar uma bacia de pipocas e curtir sem pretensão.

NINGUÉM É PERFEITO

NINGUÉM E PERFEITO (Flawless, 1999, Tribeca Productions, 112min) Direção e roteiro: Joel Schumacher. Fotografia: Declan Quinn. Montagem: Mark Stevens. Música: Bruce Roberts. Figurino: Daniel Orlandi. Direção de arte/cenários: Jan Roelfs/Leslie Pope. Produção executiva: Neil Machlis. Produção: Jane Rosenthal, Joel Schumacher. Elenco: Robert De Niro, Philip Seymour Hoffman, Barry Miller, Chris Bauer, Skipp Sudduth, Wilson Jermaine Heredia, Rory Cochrane, Wanda de Jesus. Estreia: 24/11/99

Joel Schumacher é um diretor cuja carreira se divide entre alguns filmes realmente bons - "Linha mortal", "Um dia de fúria", "Tigerland, a caminho da guerra" - alguns decididamente tenebrosos - "Batman eternamente", "Batman & Robin", "Reféns" - e outros que ficam no meio do caminho entre o bom entretenimento e o desastre completo. A comédia policial "Ninguém é perfeito" é um desses casos. Também escrito por Schumacher, o filme foi produzido pela empresa do ator Robert De Niro, a Tribeca Productions, mas sua indecisão entre ser um leve e simpático ato de carinho à tolerância para com a comunidade gay ou um policial desinteressante e previsível acabou com suas chances de tornar-se memorável (ou sequer um sucesso comercial). Não fosse a exemplar performance de Philip Seymour Hoffman em um dos papéis principais - que ofusca sem muito esforço até mesmo o normalmente brilhante De Niro - o filme provavelmente estaria fadado ao esquecimento ou às críticas ácidas, ao lado dos trabalhos menos inspirados do cineasta.

É a trama policial insossa que dá o pontapé inicial ao filme: um tiroteio entre a polícia e traficantes deixa duas vítimas fatais em um prédio onde mora o respeitado e dedicado detetive Walt Koontz (Robert De Niro), que, tomando parte na ação, sofre um derrame que o deixa parcialmente incapacitado para andar e falar. Solitário e introvertido - seus únicos amigos são ex-colegas que o encontram para jogar baralho e mulheres com que ele faz sexo em troca de ajuda financeira - ele recebe a sugestão médica de fazer aulas de canto para apressar sua cura. Sem conseguir movimentar-se sozinho pela cidade, ele acaba apelando para Rusty (Philip Seymour Hoffman), um vizinho que ganha a vida como drag queen enquanto espera o momento de fazer sua sonhada operação de mudança de sexo - e dá aulas como forma de reforçar o orçamento. O convívio entre os dois não é dos melhores, já que Walt é homofóbico, conservador e preconceituoso e Rusty não faz a menor questão de esconder seu jeito de viver e seus amigos chamativos, mas aos poucos eles começam a lidar com sua intolerância - apesar de inúmeras e violentas discussões.

Hoffman, ainda um ator pouco conhecido mas presença frequente e marcante em produções menos comerciais - como o indigesto "Felicidade", de Todd Solondz e o já clássico "Boogie nights, prazer sem limites", de Paul Thomas Anderson - está impecável na pele de Rusty, dosando com exatidão os trejeitos e as entonações de voz de um personagem extremamente propenso a exageros e armadilhas caricatas. Seu trabalho é tão formidável que frequentemente eclipsa - quando não apaga totalmente - o desempenho de Robert De Niro, que pouco tem a fazer em cena senão resmungar e tentar dar um mínimo de simpatia a um personagem destinado a ser o menos carismático da dupla de protagonistas.  Quando estão juntos em cena os dois atores - dois grandes mestres - valem o espetáculo, mesmo sendo obrigados a lutar contra uma trama pouco criativa e um texto que nunca vai além do previsível, especialmente quando retorna à aborrecida trama policial, que dilui a tensão dramática construída no drama entre os personagens centrais. As constantes mudanças de foco - que incluem também um concurso de drag queens que pouco acrescenta à trama central - servem apenas para cansar o espectador, o afastando de qualquer tipo de empatia ou preocupação que poderia vir a ter com a história da insuspeita amizade entre Koontz e Rusty. Esse problema, causado por um roteiro pouco enxuto e muito superficial, mina toda a estrutura do filme, lhe causando danos irrecuperáveis que se avolumam para um clímax fraco e sonolento.

No final das contas, "Ninguém é perfeito" vale mesmo é pela presença hipnotizante de Philip Seymour Hoffman, um ator superlativo, capaz de transformar latão em ouro e um filme medíocre em um passatempo suportável. É ele o corpo e a alma do filme de Schumacher - ainda que a produção careça de uma mais consistente e relevante.

O VERÃO DE SAM

O VERÃO DE SAM (The summer of Sam, 1999, 40 Acres & A Mule Filmworks/Touchstone Pictures, 142min) Direção: Spike Lee. Roteiro: Spike Lee, Victor Colicchio, Michael Imperioli. Fotografia: Ellen Kuras. Montagem: Barry Alexander Brown. Música: Terence Blanchard. Figurino: Ruth E. Carter. Direção de arte/cenários: Thérèse DePrez/Diane Lederman. Produção executiva: Jerri Carroll-Colicchio, Michael Imperioli. Produção: Jon Kilik, Spike Lee. Elenco: John Leguizamo, Mira Sorvino, Adrien Brody, Jennifer Esposito, Michael Rispoli, Bebe Neuwirth, Patti Lupone, Anthony LaPaglia, Ben Gazzarra, John Savage, Spike Lee. Estreia: 20/5/99 (Festival de Cannes)

A ideia inicial de Spike Lee era contar em forma de filme, uma das histórias mais apavorantes vivenciadas pelos moradores de Nova York na década de 70, quando um serial killer auto-intitulado "O Filho de Sam" usou de um revólver calibre 44 para matar seis pessoas e ferir outras sete, sempre à noite, entre agosto de 1976 e julho de 1977 - um dos mais quentes da história da cidade. A contrariedade dos familiares das vítimas, que não gostaram nem um pouco de ver o algoz de seus entes queridos transformado em possível heroi mudou a perspectiva do polêmico cineasta: a trama central então, mudou de foco, e apesar dos assassinatos terem importância fundamental em "O verão de Sam", são apenas o pano de fundo para um conto sobre preconceito, intolerância e medo. Candente e dotado de um ritmo ágil e angustiante, o filme é um dos melhores da carreira do diretor de "Faça a coisa certa" e "Malcolm X", valorizado pelo cuidado com a reconstituição de época e com um elenco de atores certos nos papéis corretos.

O protagonista de "O verão de Sam" é Vinny (o ótimo John Leguizamo, que improvisou boa parte de seus diálogos, com o incentivo do diretor), um cabeleireiro mulherengo que gasta suas noites dançando nas discotecas do Bronx ao lado da esposa, Dionna (Mira Sorvino) - e frequentemente transando com qualquer rabo-de-saia que passe à sua frente, não importa se é a sua chefe, Gloria (Bebe Neuwirth) ou a prima de sua mulher. Em uma dessas puladas de cerca, ele escapa de ser assassinado pelo Filho de Sam, um serial killer que vem apavorando a cidade de Nova York. Acreditando que sua sorte é um sinal de Deus para que mude de vida, ele resolve tentar ser o melhor marido possível, ao mesmo tempo em que Dionna, para mantê-lo a seu lado, passa a buscar formas diferentes de satisfazê-lo sexualmente. Nesse meio tempo, um dos policiais encarregados do caso, Lou Petrocelli (Anthony LaPaglia), criado no Bronx, pede ajuda ao mafioso local, Luigi (Ben Gazzarra), para que colabore nas investigações com seu vasto conhecimento do submundo do crime. Tal pedido acaba por envolver na história um grupo de moradores do bairro, que, preconceituosos e ignorantes, passam a perseguir a todos aqueles que julgam possíveis suspeitos. Um deles, o jovem Richie (Adrien Brody), acaba por se tornar o principal acusado, somente por vestir-se como punk, tocar rock em bares pouco recomendáveis e, vez ou outra, prostituir-se.

Costurando suas histórias com um ritmo cadenciado que jamais permite tempos mortos em sua narrativa, Spike Lee constrói um potente estudo sobre a culpa e o preconceito, jogando na mesma mistura uma sexualidade explosiva e marginal - com direito a cenas de orgias e diálogos repletos de palavrões - e uma violência tanto física quanto moral exasperantes. Enquanto o criminoso Filho de Sam se vê torturado pelas vozes em sua cabeça (que o impelem a matar), Richie é vítima de todos os tipos de preconceito, que surgem dentro de sua própria casa e se estendem pelas ruas de seu bairro. A forma como o roteiro trata Richie - um homem inocente destruído por suspeitas aleatórias - lembra os clássicos de Hitchcock, mas aquecidos a uma temperatura quase insuportável, refletida na fotografia quase em tom documental de Ellen Kuras e no desenho de som, que transforma a narrativa em um pesadelo kafkiano. Uma pena, porém, que Lee não tenha mantido a ousadia até o final, refreando a crueldade que poderia dar à mensagem do filme uma ênfase ainda mais contundente.

Afora esse pequeno senão, "O verão de Sam" tem de tudo para agradar a todos os paladares: é um filme policial competente - ainda que o roteiro não se detenha nas investigações em si -, é um drama romântico sensual, tem sequências musicais bem dirigidas (calma, nada de cantorias, apenas coreografias bem elaboradas ao som de música disco), um elenco bem dirigido e uma trilha sonora deliciosa com sucessos da década de 70 - ABBA, The Who, Thelma Huston. Nem mesmo sua longa duração - duas horas e meia - chega a ser um defeito, uma vez que a edição tem um invejável senso de ritmo e a história nunca deixa de ser interessante o bastante para manter a atenção da plateia. Um grande filme, que se apropria de uma das mais assustadoras lendas da crônica policial norte-americana para falar de pessoas comuns, vítimas da ignorância e do preconceito. Vale a pena assistir ou revisitar.

O SUSPEITO DA RUA ARLINGTON

O SUSPEITO DA RUA ARLINGTON (Arlington Road, 1999, Screen Gems/Lakeshora Entertainment, 117min) Direção: Mark Pellington. Roteiro: Ehren Kruger. Fotografia: Bobby Bukowski. Montagem: Conrad Buff IV. Música: Angelo Badalamenti. Figurino: Jennifer Barrett-Pellington. Direção de arte/cenários: Thèrese DePrez/Barbara Haberecht. Produção executiva: Tom Rosenberg, Sigurjon Sighvatsson, Ted Tannenbaum. Produção: Tom Gorai, Marc Samuelson, Peter Samuelson. Elenco: Jeff Bridges, Tim Robbins, Joan Cusack, Hope Davis, Robert Gossett, Mason Gamble, Spencer Treat Clark. Estreia: 19/3/99

Dois anos antes dos atentados que devastaram os EUA - e consequentemente o mundo inteiro - o medo do terrorismo já rondava a mente dos executivos de Hollywood, ainda que banhadas pelo verniz da ficção. Porém, um dos filmes que ousavam mexer em tal ferida (que ainda seria uma das mais doloridas e assustadoras da história) teve uma recepção apenas morna quando estreou, no início de 1999. Dirigido por Mark Pellington - oriundo do mundo dos videoclipes, onde comandou nomes de peso como U2 e Pearl Jam - "O suspeito da Rua Arlington" escancarava a paranoia ianque como poucos filmes de sua época, construindo um suspense crescente que enfatizava com seriedade um dos maiores medo da sociedade: a possibilidade de estar bem mais perto do inimigo do que se poderia imaginar (ou desejar).

Tudo começa com uma sequência impressionante, que mostra um menino chegando tropegamente à casa onde mora, com a mão esquerda mutilada violentamente. Quem o socorre é Michel Faraday (Jeff Bridges), professor de História Americana na Universidade George Washington e que, por coincidência, mora na mesma rua. No hospital, Faraday fica sabendo que o garoto se chama Brady e é um dos filhos de um casal de vizinhos, o engenheiro Oliver Lang (Tim Robbins) e a dona-de-casa Cheryl (Joan Cusack). Ainda traumatizado pela inesperada morte da esposa, agente do FBI morta em serviço, Faraday está aos poucos se envolvendo em um novo romance, com a ex-assistente Brooke (Hope Davis) e sente-se aliviado ao perceber que seu único e solitário filho, Grant (Spencer Treat Clark), finalmente está se enturmando com Brady. As duas famílias aos poucos iniciam uma amizade repleta de churrascos aos fins-de-semana e jantares íntimos, até que, por um acaso do destino, o professor passa a desconfiar que Lang não é quem diz ser: investigando algumas informações incoerentes, ele chega à conclusão (não confirmada nem mesmo pelo colega de sua falecida esposa) de que o misterioso engenheiro é, na verdade, um terrorista - e que tem planos aterrorizantes.

Ao modo hitchcockiano de contar uma história, o cineasta Mark Pellington introduz aos poucos toda a aura de mistério e paranoia que cerca Michael Faraday, transformando-o em mais um heroi desacreditado por todos à sua volta até que as evidências tornam-se mais e mais próximas da verdade. Sublinhado pela trilha sonora eficiente do veterano Angelo Badalamenti - habitual colaborador de David Lynch - o medo do protagonista vai se acentuando conforme o cerco se fecha em torno de si, envolvendo sem piedade seu filho e a namorada, que acabam se tornando vítimas inocentes de sua paranoia. Uma pena, porém, que assim que a verdade finalmente esteja diante do espectador - e ela chega de forma inteligente e sem pressa - o roteiro resolva mudar o tom, transformando um suspense sofisticado e sufocante em um filme de ação que, apesar de bem dirigido e editado, inevitavelmente perde sua aura de sutileza para metamorfosear-se em um thriller bem menos incomum - e consertar a sensação de decepção com um final ousado e surpreendente.

Contando com a ajuda mais do que especial de uma dupla de atores capazes de dar credibilidade a qualquer história, Mark Pellington não hesita em concentrar-se em seus inspirados trabalhos para enfatizar todas as nuances de sua trama. Enquanto Jeff Bridges brilha mais uma vez como o heroi incompreendido cujo desespero aumenta a cada cena (é emocionante a sequência em que ele relembra a estúpida morte da esposa, em um flashback inserido corretamente na edição), Tim Robbins deita e rola com seu dúbio Oliver Lang, um homem cuja verdade só é revelada ao espectador no terço final de exibição - e que até lá consegue manter uma dúvida angustiante sobre sua vida pregressa. Vale ressaltar também a atuação imprevisível de Joan Cusack, mostrando que, por trás de uma comediante de mão cheia existe uma atriz de muitos recursos dramáticos.

Inteligente, empolgante e sério, "O suspeito da Rua Arlington" é um dos mais importantes filmes de suspense do final dos anos 90, que antecipava de forma trágica a atmosfera de medo e paranoia que tomaria conta dos EUA em pouco tempo.

NAS PROFUNDEZAS DO MAR SEM FIM

NAS PROFUNDEZAS DO MAR SEM FIM (The deep end of the ocean, 1999, Columbia Pictures/Mandalay Entertainment, 106min) Direção: Ulu Grosbard. Roteiro: Stephen Schiff, romance de Jacquelyn Mitchard. Fotografia: Stephen Goldblatt. Montagem: John Bloom. Música: Elmer Bernstein. Figurino: Susie DeSanto. Direção de arte/cenários: Dan Davis/Stephanie Ziemer. Produção executiva: Frank Capra III. Produção: Kate Guinzburg, Steve Nicolaides. Elenco: Michelle Pfeiffer, Treat Williams, Whoopi Goldberg, John Kapelos, Jonathan Jackson, Cory Buck, Ryan Merriman. Estreia: 12/3/99

Linda, sexy e talentosa, Michelle Pfeiffer iniciou, nos anos 90, uma sólida carreira como produtora, com o objetivo de encontrar papéis femininos fortes o bastante para ela e outras atrizes - constantemente em queixa da limitada quantidade de boas personagens no cinema norte-americano. Um dos filmes resultantes dessa sua procura foi "Nas profundezas do mar sem fim", um drama familiar tocante que, depois de ver sua estreia adiada nos EUA graças a refilmagens e mudanças constantes no roteiro, viu suas chances de concorrer ao Oscar e às demais premiações completamente soterradas. Não que merecesse (apesar de algumas qualidades é apenas mais uma produção apenas correta dentro da filmografia de Pfeiffer), mas sua presença nas listas dos críticos provavelmente ajudaria na sua parca bilheteria - menos de 15 milhões contra os cerca de 40 milhões do orçamento final. Seu fracasso comercial, porém, não reflete o valor do filme em si, que, dividindo sua narrativa em dois tempos distintos, prende a atenção do público do início até o fim - para acabar de maneira quase óbvia (um dos motivos, aliás, do atraso na estreia foi a filmagem de um final distinto do livro em que se baseia, escrito por Jacquelyn Mitchard).

A trama começa em 1988, quando a fotógrafa Beth Cappadora viaja com os três filhos pequenos para Chicago, para atender a uma comemoração de 15 anos de formatura. Em meio à balbúrdia do evento, ela acaba se perdendo do pequeno Ben, de 3 anos, que desaparece diante dos olhos de dezenas de pessoas. O esforço da polícia local - em especial da detetive Candy Bliss (Whoopi Goldberg) - não impede que as buscas terminem por encerrar-se depois de meses de intenso trabalho. Desesperada, Beth não para de culpar-se pelo acontecido, entra em depressão e quase acaba com seu casamento com o amoroso e dedicado Pat (Treat Williams) - além de alienar-se dos dois outros filhos, principalmente do mais velho, Vincent, de sete anos. Nove anos mais tarde, morando em Chicago com a família e tendo iniciado uma vida nova (sem esquecer, porém, da trágica tarde em que perdeu o filho), Beth leva um choque quando dá de cara com Sam (Ryan Merriman), o filho de um vizinho que mora a alguns quarteirões de distância: quando o menino se oferece para cortar a grama de sua casa, ela reconhece nele o seu próprio Ben, e precisa provar à polícia e ao marido que está certa. Além disso, outros problemas surgem: se for verdade que o garoto é seu filho, como ele reagirá à nova realidade? E o adolescente Vincent (Jonathan Jackson), que tem um grande sentimento de culpa e abandono, vai aceitar a volta do irmão perdido?

As questões levantadas pelo roteiro de "Nas profundezas do mar sem fim" são bastante interessantes, permitindo a Michelle Pfeiffer que mostre seus dotes dramáticos na medida certa, mas o roteiro não vai além do superficial, jamais oferecendo à plateia mais do que o esperado de um telefilme, por exemplo. A direção burocrática de Ulu Grosbard - que já comandou com a mesma frieza Meryl Streep e Robert De Niro em "Amor à primeira vista" - não ultrapassa os limites do convencional, imprimindo ao filme um tom que flerta com o modo europeu de tratar assuntos semelhantes, mas sem a mesma neutralidade. Sempre que Pfeiffer está em cena o filme cresce com sua garra e emotividade à flor da pele - que encontram eco na sempre competente Whoopi Goldberg - mas em grande parte de seu tempo a plateia não tem muito com o que se emocionar, restando a ela apenas a chance de questionar as atitudes dos personagens, complexos o bastante para não deixar que a trama resvale no vazio. E são justamente essas questões que sustentam a trama desde seus primeiros minutos.

O roteiro de "Nas profundezas do mar sem fim" praticamente pode ser dividido em dois: a primeira metade, que mostra a busca pelo pequeno Ben e o desespero de sua família é intrigante e angustiante, sufocando o público com uma situação que é o pesadelo de qualquer pai - principalmente porque termina de uma maneira nada otimista. A segunda parte, que joga a família de Beth no furacão de dúvidas a respeito da identidade de Sam (e posteriormente sua adequação ao novo destino) tem um ritmo menos envolvente, ainda que jamais perca a capacidade de intrigar os espectadores. O drama da protagonista em manter a família unida a despeito de todas as transformações que os obrigam a encarar uma nova realidade é o cerne do filme nessa metade final, e para sorte de todos, Michelle Pfeiffer tira de letra o desafio de segurar o rojão. É ela, do alto de sua beleza etérea, que dá sustentação e classe a uma produção apenas regular, que, apesar dos pesares, merece uma espiada sem maiores pretensões.

O CÉU DE OUTUBRO

O CÉU DE OUTUBRO (October sky, 1999, Universal Pictures, 108min) Direção: Joe Johnston. Roteiro: Lewis Colick, livro de Homer H. Hickman Jr.. Fotografia: Fred Murphy. Montagem: Robert Dalva. Música: Mark Isham. Figurino: Betsy Cox. Direção de arte/cenários: Barry Robinson/Chris Spellman. Produção executiva: Peter Cramer, Marc Sternberg. Produção: Larry Franco, Charles Gordon. Elenco: Jake Gyllenhaal, Laura Dern, Chris Cooper, Chris Owen, William Lee Scott, Chad Lindberg, Natalie Carneday, Scott Miles. Estreia: 19/02/99

Desde que Hollywood é Hollywood, histórias verdadeiras e de superação envolvem e emocionam o espectador, a despeito dos fatos estarem perto de sua realidade ou não. Como o estoque de personalidades famosas é finito, porém, os estúdios volta e meia se voltam a acontecimentos mais simples, mais domésticos, mas nem por isso menos fascinantes e inspiradores. É o caso da história de Homer Hickam, estudante de uma pequena cidade mineira do interior americano que, no final da década de 50, em plena guerra espacial entre EUA e Rússia, lutou contra todas as possibilidades em contrário para construir um foguete caseiro e, com isso, fugir da vida triste e limitada a que estava destinado desde o nascimento. Estrelado por um jovem e iniciante Jake Gyllenhaal e dirigido com delicadeza por Joe Johnston - de "Jumanji" e "Jurassic Park III" - "O céu de outubro" é um belo drama juvenil que, mesmo esbarrando nos clichês, funciona à perfeição em seu objetivo de envolver e emocionar.

Vivendo em uma pequena cidade chamada Coalwood, que sobrevive graças à exploração das minas de carvão, o adolescente Homer Hickam Jr. sabe que não terá muitas escolhas em relação a seu futuro profissional, uma vez que seu pai (o sempre excelente Chris Cooper) é o líder dos mineiros e vê nele uma espécie de sucessor: seu irmão mais velho, Jim (Scott Miles), é um jogador de futebol talentoso e tem chances de ir para a faculdade, ao contrário dele, um aluno sem maiores méritos físicos ou intelectuais. É por isso que ninguém leva muito a sério quando ele resolve construir um foguete nas aulas de Ciências, inspirado pelo lançamento do russo Sputnik - é outubro de 1957, e o mundo está de olho na corrida pela conquista do espaço. Com a ajuda de um grupo de colegas - que inclui o nerd Quentin (Chris Owen) - ele começa a fazer experimentos cada vez mais bem-sucedidos, apesar do deboche de vários colegas e do descaso do próprio pai. Só quem acredita em seus sonhos é sua professora, Miss Riley (Laura Dern), que fará tudo que puder para incentivá-lo, mesmo quando as coisas parecem sem nenhuma esperança.

Narrado com simplicidade e carinho por Johnston - um cineasta sem personalidade, mas correto o suficiente para valorizar os aspectos mais humanos da trama, em detrimento de detalhes técnicos que poderiam aborrecer o espectador médio - "O céu de outubro" equilibra com rara destreza um drama familiar um tanto previsível (mas ainda assim comovente) e uma aventura juvenil com ecos de "Conta comigo" - obra-prima de Rob Reiner inspirada em conto de Stephen King. Ingênuo na medida certa, o filme buscou no livro do próprio Hickman a base para uma história pura e idealista que combina com a filmografia "família" de seu diretor e conquista a plateia justamente por soar como uma produção à moda antiga, nos moldes dos tradicionais produtos Disney, onde a ingenuidade, o caráter e a integridade eram peças fundamentais para o final feliz. Aqui, Johnston apresenta um conto moral sem excessos de açúcar, amparado na produção bem cuidada e no elenco acima da média, que dá credibilidade a um roteiro eficiente, ainda que burocrático ao extremo.

Ainda dando seus primeiros passos na carreira, Jake Gyllenhaal está ótimo no papel central, transmitindo com precisão todos os sentimentos de seu Homer, um adolescente sonhador mas bastante dedicado a romper a tradição operária de sua linhagem familiar através dos estudos e da ciência. Seus embates com o pai, vivido por um Chris Cooper também ainda não devidamente reconhecido com o Oscar e com os elogios que sempre mereceu, são verossímeis, emocionantes, quase cruéis, e sua química com Laura Dern - como a doce mestra que lhe serve de apoio e inspiração - é doce e suave, quebrando o tom quase sufocante das relações familiares do rapaz. Esse contraste entre os dois mundos de Homer (o lar que lhe desanima e o convívio amigável e fraterno com os colegas e a professora, que lhe dão o ânimo necessário) é outro acerto da direção, que os apresenta gradualmente até as sequências finais, quando eles finalmente se encontram.

Mesmo que não surpreenda e seja menos ousado narrativamente do que poderia, "O céu de outubro" cumpre o que promete com louvor. É bonito, é emocionante, é inspirador e é leve como deveria. Um pequeno grande filme que serviu  também para apresentar à plateia um ator que ainda daria muito o que falar, o jovem e talentoso Gyllenhaal.

UM PLANO SIMPLES

UM PLANO SIMPLES (A simple plan, 1998, Paramount Pictures/Mutual Film Company, 121min) Direção: Sam Raimi. Roteiro: Scott B. Smith, romance homônimo de Scott B. Smith. Fotografia: Alar Kivilo. Montagem: Eric L. Beason, Arthur Coburn. Música: Danny Efman. Figurino: Julie Weiss. Direção de arte/cenários: Patrizia Von Brandenstein/Hilton Rosemarin. Produção executiva: Mark Gordon, Gary Levinsohn. Produção: James Jacks, Adam Schroeder. Elenco: Bill Paxton, Bridget Fonda, Billy Bob Thornton, Gary Cole, Brent Briscoe. Estreia: 12/9/98 (Festival de Toronto)

2 indicações ao Oscar: Ator Coadjuvante (Billy Bob Thornton), Roteiro Adaptado

Depois de tornar-se um dos diretores mais cultuados do gênero terror com sua trilogia "Evil dead" e poucos anos antes de conquistar as plateias do mundo todo com os três filmes do Homem-aranha, o cineasta Sam Raimi mostrou que também fica à vontade brincando com outros gêneros cinematográficos ao assinar a direção de "Um plano simples", um drama de suspense inteligente e surpreendente que se utiliza de uma situação quase clichê - um grupo de pessoas vendo sua ética e honestidade postas à prova diante de uma fortuna inesperada e não exatamente limpa - para prender a atenção do público da primeira à última cena graças a uma condução de atores discreta e eficaz e a um roteiro costurado com precisão - e não injustamente indicado ao Oscar da categoria. Baseado em um romance de Scott B. Smith cujos direitos foram comprados por Mike Nichols em 1994, o filme passou pelas mãos de diversos cineastas - como John Boorman e John Dahl - antes de finalmente chegar até Raimi, que imprimiu a ele um tom pessimista e sério que destoava de sua obra até então e pegou até mesmo os fãs de surpresa com sua violência crua e a ausência total de sua marca registrada: o senso de humor negro.

Elegendo como protagonistas dois irmãos não exatamente brilhantes intelectualmente e a esposa grávida de um deles, o roteiro de "Um plano simples" logo de cara mostra que seus personagens não são heróis, vilões ou tampouco capazes de qualquer tipo de superação moral ou ética. Hank Mitchell (Bill Paxton possivelmente no melhor desempenho de sua carreira) trabalha como balconista de um armazém em uma pequena cidade do interior dos EUA. Casado com Sarah (Bridget Fonda em papel oferecido à Laura Dern) e à espera do primeiro filho, ele leva uma vida monótona e sem maiores expectativas até o dia em que, junto com o irmão, Jacob (Billy Bob Thornton, indicado ao Oscar de coadjuvante) e o melhor amigo, Lou (Gary Cole), encontra um avião caído em uma reserva florestal coberta de neve - e dentro dele, além do piloto morto, a pequena fortuna de 4,4 milhões de dólares. Acreditando tratar-se do dinheiro sujo de um resgate, o trio decide ficar com a grana, mas combinam escondê-la até que seja seguro utilizá-la sem despertar suspeitas. Logicamente, porém, as coisas não saem como o esperado: tanto Lou quanto Jacob tem pressa em ficar com sua parte, o que acaba por precipitar uma série de incidentes violentos que compromete a segurança e a liberdade de todos os envolvidos no caso.

A maior qualidade do texto de Smith - adaptado pelo próprio autor para as telas - é a forma com que ele vai explorando paulatinamente o crescimento do mal e da ganância dentro de pessoas até então tidas como pacíficas e honestas. Sarah, por exemplo, como uma Lady Macbeth caipira, vai minando a cabeça de Hank, sendo a autora da maior parte das ideias que acabam por tornar suas vidas um pesadelo sangrento e cruel. Mesmo grávida - e portanto, aparentando uma fragilidade que não existe - ela é quem acaba por se tornar a mais fria e cerebral do grupo, a ponto de ignorar os elos familiares que a unem a Jacob, um homem com problemas mentais que tem por objetivo puro e simples reconstruir a fazenda dos pais e recuperar os dias de paz de seu passado. Os empecilhos irônicos postos diante dos protagonistas pelo roteiro e pela direção esperta e dotada de ritmo próprio de Sam Raimi empurram "Um plano simples" em direção a um final previsivelmente trágico, mas ainda assim consegue fugir do óbvio ao evitar inteligentemente tanto o moralismo quanto o cinismo. Seu desfecho, coerente e verossímil - artigos raros no cinemão americano - pode não agradar a todos, mas é, inegavelmente, bem construído e crível.

E se Billy Bob Thorton foi o único ator do elenco a ser lembrado pela Academia - algo um tanto questionável, uma vez que muitas vezes seu desempenho chega perto da caricatura, como já havia acontecido com seu outro trabalho indicado ao Oscar, "Na corda bamba" - vale destacar a qualidade da atuação de Bill Paxton e Bridget Fonda, que seguram seus papéis com garra e dão a eles uma diversidade de sentimentos que enriquece muito o argumento original. Na pele de Hank e Sarah eles mostram o quanto o ser humano está propenso a alterar seus princípios quanto posto diante de um dilema moral tão fascinante e tentador. Sua humanidade é um ponto alto do filme de Sam Raimi - e o que dá a ele uma transcendência inesperada a uma obra de um gênero normalmente relegado a entretenimento barato.

UM AMOR VERDADEIRO

UM AMOR VERDADEIRO (One true thing, 1998, Universal Pictures, 127min) Direção: Carl Franklin. Roteiro: Karen Croner, romance de Anna Quindlen. Fotografia: Declan Quinn. Montagem: Carole Kravetz. Música: Cliff Eidelman. Figurino: Donna Zakowska. Direção de arte/cenários: Paul Peters/Elaine O'Donnell, Leslie A. Pope. Produção executiva: Leslie Morgan, William W. Wilson III. Produção: Jesse Beaton, Harry J. Ufland. Elenco: Meryl Streep, William Hurt, Renée Zellweger, Tom Everett Scott, Lauren Graham, Nicky Katt, James Eckhouse. Estreia: 18/9/98

Indicado ao Oscar de Melhor Atriz (Meryl Streep)

A história é conhecida e banhada de clichês: jovem e promissora jornalista, às vésperas de um dos mais importantes trabalhos de sua recém iniciada trajetória profissional, é obrigada a voltar à sua cidade natal para cuidar da mãe, uma mulher forte e determinada que sempre foi o centro da família mas está sofrendo de um câncer terminal. Nesse meio-tempo, a jovem precisa também enfrentar a difícil relação que sempre teve com o pai, um professor de literatura que fracassou como escritor e nunca soube dar o amor que os filhos e a mulher precisavam. Qual é, então, a razão para se assistir a "Um amor verdadeiro"? A mesma que o distingue de dezenas de outras obras semelhantes que volta e meia preenchem a programação da televisão: o elenco extraordinário escalado pelo diretor Carl Franklin. Bom diretor de atores, Franklin extrai de gente do porte de Meryl Streep e William Hurt atuações muito acima da média - não à toa Meryl recebeu sua 11ª indicação ao Oscar por seu desempenho - e entrega à então estrela em ascensão Renée Zellweger um dos papéis mais densos de sua carreira.

É de Zellweger a responsabilidade de dar ao filme de Franklin, baseado em romance de Anna Quindlen - uma escritora conhecida nos EUA por seus livros de teor feminino adocicado - um tom menos piegas e previsível, e ela desincumbe-se muito bem da missão. Na pele da ambiciosa e talentosa Ellen Gulden, que precisa abrir mão de seus objetivos profissionais em prol da saúde de sua mãe, ela dosa com precisão uma gama extensa de sentimentos por vezes contraditórios e que, nas mãos de uma atriz menos competente, fatalmente descambaria para o sentimentalismo barato ou o exagero dramático. Encarando de frente uma das melhores atrizes de todos os tempos, Zellweger - que menos de dois anos antes, quando contracenou com Tom Cruise em "Jerry Maguire", ainda era uma ilustre desconhecida - não se deixa diminuir em cena, crescendo até mesmo quando precisa enfrentar um sempre potente William Hurt, que vai desenhando seu personagem gradualmente até explodir em uma devastadora cena no terço final da projeção - onde seu George finalmente diz a que veio e sai de um melancólico segundo plano. Não é injusto afirmar, aliás, que tanto Renée quanto Hurt também mereciam ter sido lembrados pela Academia, já que conseguem tirar leite de pedra, dando consistência até mesmo a diálogos pouco inspirados e algumas cenas simplesmente supérfluas.

Meryl Streep, por sua vez, está em sua zona de conforto. Kate Gulden é a típica personagem dos sonhos para qualquer atriz ciente de suas capacidades dramáticas, e a veterana vencedora (à época) de dois Oscar não deixa por menos, emocionando o espectador com alguns momentos que demonstram claramente os motivos que a levam a ser tão respeitada e admirada. Vivendo uma mulher simples, altruísta e dedicada que se vê às portas da morte, ela tanto é capaz de despertar uma sincera compaixão do público quanto um sentimento de paz e serenidade que poucas intérpretes conseguiriam com tanta maestria. Mesmo que sua personagem sofra devido a um desenvolvimento pobre - de certa forma ela é quase uma coadjuvante de luxo, já que a trama gira em torno das dificuldades de sua filha em confrontar-se com um nova realidade - Streep consegue extrair dela sempre o máximo de profundidade e verdade. A cena em que ela e sua filha cantam emocionadas na festa de Natal da cidadezinha onde moram é de cortar o coração justamente por essa intensidade.

"Um amor verdadeiro" em si não é um grande filme. Ainda que tente surpreender a plateia no final, com uma pequena reviravolta que muda as perspectivas da audiência em relação aos protagonistas, não consegue desviar-se dos lugares-comuns das produções sobre famílias disfuncionais, doenças terminais e lições de vida. Porém, ao unir em cena três grandes intérpretes em momentos iluminados, merece aplausos e boas lembranças.

LAURA, A VOZ DE UMA ESTRELA

LAURA, A VOZ DE UMA ESTRELA (Little voice, 1998, Miramax, 97min) Direção: Mark Herman. Roteiro: Mark Herman, peça teatral "The rise and fall of Little Voice", de Jim Cartwright. Fotografia: Andy Collins. Montagem: Michael Ellis. Música: John Altman. Figurino: Lindy Hemming. Direção de arte/cenários: Don Taylor/John Bush. Produção executiva: Nik Powell, Stephen Wooley. Produção: Elizabeth Karlsen. Elenco: Jane Horrocks, Michael Caine, Brenda Blethyn, Ewan McGregor, Jim Broadbent. Estreia: 18/9/98 (Festival de Toronto)

Indicado ao Oscar de Atriz Coadjuvante (Brenda Blethyn)
Vencedor do Golden Globe de Melhor Ator (Comédia/Musical): Michael Caine

Uma das maiores funções do Golden Globe - prêmio concedido pela Associação de Correspondentes Estrangeiros em Hollywood - é revelar ao público e à Academia que concede os Oscar (normalmente fechada em seus próprios interesses comerciais) alguns filmes que, por má distribuição, orçamentos pequenos ou inúmeros outros motivos, talvez tenham passado em branco pelas salas de exibição. Em 1999 isso aconteceu com "Laura, a voz de uma estrela", adaptação de uma peça teatral inglesa que chamou a atenção para a brilhante atuação de Michael Caine - apesar da vitória no Globe, porém, ele foi ignorado pela Academia, que lembrou-se apenas de indicar sua colega de elenco Brenda Blethyn à estatueta de atriz coadjuvante. Tal fracasso em destacar o filme dentre tantas outras produções, no entanto, não ofusca suas maiores qualidades, que residem justamente no elenco coeso e na atuação hipnótica de Jane Horrocks - para quem a peça original foi escrita - no papel principal.

Laura, a protagonista, é uma jovem inglesa reclusa e tímida que vive trancada em seu quarto, ouvindo os discos das divas que eram os ídolos de seu pai, de quem sente uma saudade devastadora. Sua rotina simples de escutar ad infinitum os álbuns de Judy Garland, Shirley Bassey e Marilyn Monroe só é quebrada pela personalidade exagerada de sua mãe, Mari Hoff (Brenda Blethyn, perfeita na caracterização), uma mulher pouco afeita a sutilezas e generosidades que vê na filha um fracasso completo. Suas vidas sofrem uma profunda transformação, porém, quando uma das conquistas de Mari, o empresário artístico Ray Say (Michael Caine), descobre que, por trás da timidez quase patológica de Laura existe um genuíno talento musical: ao ouví-la, sem querer, imitando as grandes cantoras a que admira, ele vê nela um futuro extraordinário no showbusiness.Com o apoio da ambiciosa Mari, ele tenta convencer a jovem - a quem chamam de LV (Little Voice) - a apresentar-se no clube do semi-fracassado Mr. Boo (Jim Broadbent). Sentindo-se pressionada, a antissocial Laura tem a compreensão apenas do delicado Billy (Ewan McGregor), funcionário da companhia telefônica que se dá melhor com seus pombos-correio do que com as pessoas a seu redor.

Despretensioso e de estrutura simples, "Laura, a voz de uma estrela" conquista basicamente pela construção de seus personagens, delineados com capricho e sutileza, ainda que a princípio pareçam mais estereótipos do que pessoas reais. Conforme a história avança é que as verdadeiras personalidades vão surgindo, mostrando as reais intenções de cada um - assim como as consequências de seus atos os aproxima de um desfecho senão previsível, ao menos coerente e delicado como a protagonista. O romance titubeante entre Laura e Billy (personagem inexistente na versão teatral e criado especificamente para ser vivido por Ewan McGregor) é apaixonante na medida certa, cativando a plateia graças às atitudes desajeitadas dos personagens, envolvidos sem querer em uma situação inesperada e para eles desconhecida. Ainda que não seja o foco central da narrativa, sua história de amor ajuda o espectador a compartilhar da solidão e dos medos dos dois jovens, em um amor puro que contrasta violentamente com o caso entre Mari e Ray, dois seres dotados de extremo egoísmo e ganância - e que os leva à ruína emocional.

Com interpretações fantásticas de Blethyn e Caine, Mari e Ray quase conseguem ser maiores do que a maior das qualidades de "Laura": o talento impressionante de Jane Horrocks em imitar algumas das mais idolatradas divas da música norte-americana. Duas sequências são especialmente brilhantes nesse ponto: primeiro, quando a jovem finalmente cede aos pedidos da mãe e dá um show no palco, sendo aplaudida fervorosamente; e depois, quando enfrenta bravamente Ray, utilizando-se de seu talento para expulsá-lo de sua casa apenas com trechos de músicas antigas. Essas duas cenas são um belo exemplo da força discreta do filme, que seduz imperceptivelmente até que os créditos finais surgem e deixam no público uma sensação de paz e bem-estar. Um belo pequeno filme.