INSÔNIA

INSÔNIA (Inmsonia, 2002, Alcon Entertainment, 118min) Direção: Christopher Nolan. Roteiro: Hilary Seitz, roteiro original de Nikolaj Frobenius, Erik Skjoldbjaerg. Fotografia: Wally Pfister. Montagem: Dody Dorn. Música: David Julyan. Figurino: Tish Monaghan. Direção de arte/cenários: Nathan Crowley/Peter Lando. Produção executiva: George Clooney, Kim Roth, Charles J.D. Schlissel, Steven Soderbergh, Tony Thomas. Produção: Broderick Johnson, Paul Junger Witt, Andrew A. Kosove, Edward L. McDonnell. Elenco: Al Pacino, Robin Williams, Hilary Swank, Martin Donovan, Maura Tierney, Nicky Katt, Paul Dooley. Estreia: 03/5/02 (Festival de Tribeca)

Christopher Nolan ainda não era o cineasta reconhecido por ter transformado Batman em uma das mais lucrativas séries da história do cinema quando assumiu a direção de "Insônia", refilmagem de um suspense sueco que reunia três atores vencedores do Oscar - Al Pacino, Hilary Swank e Robin Williams, este último exercitando sua escolha por papéis de vilão que direcionou sua carreira depois de alguns fracassos de bilheteria. A escolha de Nolan para a direção, no entanto, não foi gratuita: quando entrou no projeto, ele já havia assinado um filme policial que deixou de queixo caído a crítica e o público, além de ter concorrido ao Oscar de roteiro original, o fabuloso "Amnésia". Talentoso, criativo e ousado, o cineasta transformou uma trama policial comum em um instigante estudo sobre culpa, obsessão e ética que, mesmo sem ter sido um estrondo de bilheteria mostrou que o diretor tinha a manha de conseguir injetar qualidade e inteligência a um entretenimento popular - o que se comprovaria com os filmes do homem-morcego e seus demais trabalhos.

Para adaptar a trama a uma lógica convincente, "Insônia" teve o cenário de seu original - a Suécia - transferido para uma pequena cidade do Alasca chamada Nightmute. É para lá que se dirigem dois policiais de Los Angeles, Will Dormer (Al Pacino, fenomenal) e Hap Eckhart (Martin Donovan), com o objetivo de investigar o assassinato de uma adolescente local. Entre interrogatórios com os colegas e familiares da vítima, Dormer e Hap contam com a ajuda de dois colegas locais, a dedicada Ellie Burr (Hilary Swank) e o caipira Fred Duggar (Nicky Katt), que ignoram o fato de que os dois forasteiros estão passando por um turbilhão profissional: Hap está em vias de revelar a seus superiores irregularidades cometidas por seu parceiro em um caso antigo e tal possibilidade está deixando sua amizade em uma perigosa corda-bamba. Quando, durante a perseguição a um dos suspeitos do crime Dormer mata o colega com um tiro, ele entra em uma séria crise de insônia, agravada pelo fato de a cidade não ter noites. Para piorar a situação, ele passa a ser chantageado pelo criminoso, o escritor de livros de suspense Walter Finch (Robin Williams), que testemunhou o acontecido e ameaça denunciar-lhe por homicídio.

Um suspense policial bem construído e centrado em personagens fortes mais do que em uma trama rocambolesca, "Insônia" mergulha o espectador em um universo claustrofóbico de mentiras, meias-verdades e tênues divisões entre o bem e o mal, sublinhadas por diálogos de substância e uma direção firme, que nunca resvala para o clichê. Concentrando seu foco nas relações entre Dormer e Finch - e sua possível conexão forjada através das mortes a que estão ligados - e entre Dormer e a idealista Ellie Burr - que vê nele um exemplo a ser seguido até que passa a desconfiar que seu herói tem tantos defeitos quanto qualidades e se vê diante de um dilema ético e moral - o roteiro de Hilary Seitz (que sofreu alterações feitas pelo próprio Nolan) desvia-se com segurança da linha de investigação criminal que lhe jogaria fatalmente na vala das produções banais do gênero para buscar mais consistência dramática - sem nunca deixar de lado, porém, o tom de tensão necessário para manter o espectador grudado na poltrona. Ao mesmo tempo em que acompanha o trabalho policial dos personagens, o público é brindado com uma história séria e intensa a respeito dos meandros da lei e de como é flexível o limite entre o certo e o errado quando o assunto é a violência.

E para sorte de Nolan o elenco responde à altura do roteiro, com interpretações que dão o peso exato à cada diálogo e à cada cena. Se Hilary Swank pouco tem a fazer com sua personagem até o terço final, quando torna-se peça fundamental para o desfecho, Robin Williams e Al Pacino - especialmente o último - dão um show à parte, elevando o nível do filme bem acima da média do gênero. A conversa entre policial e criminoso em um barco, por exemplo, é hipnótica e é um exemplo perfeito da química espetacular entre os dois grandes atores em um ótimo momento de suas carreiras, assim como a ótima sequência em que um devastado Dormer confessa à gerente do hotel onde está hospedado (e tentando dormir há dias, sem sucesso) os fatos trágicos que levaram à morte de seu parceiro. É drama de primeira, unido a uma história policial que não subestima a inteligência da plateia. Mesmo sem o brilhantismo dos filmes posteriores de Nolan, é um passatempo de primeira categoria.

RETRATOS DE UMA OBSESSÃO

RETRATOS DE UMA OBSESSÃO (One hour photo, 2002, Fox Searchlight Pictures, 96min) Direção e roteiro: Mark Romanek. Fotografia: Jeff Cronenweth. Montagem: Jeffrey Ford. Música: Reinhold Heil, Johnny Klimek. Figurino: Arianne Philips. Direção de arte/cenários: Tom Foden/Tessa Posnansky. Produção executiva: Jeremy W. Barber, Robert B. Sturm, John Wells. Produção: Pamela Koffler, Christine Vachon, Stan Wlodkowski. Elenco: Robin Williams, Connie Nielsen, Michael Vartan, Gary Cole, Eriq LaSalle. Estreia: 13/01/02 (Festival de Sundance)

Consagrado como humorista, aclamado como ator dramático e adorado pelas plateias, Robin Wiiliams estava em uma encruzilhada artística no início do século: com dois fracassos seguidos de bilheteria - os tenebrosos "Um sinal de esperança" e "O homem bicentenário" - ele precisava urgentemente reinventar-se como astro de cinema, sob pena de tornar-se mais uma vítima da maldição do Oscar, que havia conquistado como coadjuvante de "Gênio indomável". A forma encontrada para solucionar tal problema acabou por mostrar-se bastante eficiente, se não em termos comerciais ao menos para devolver-lhe o status de bom intérprete: mostrar o lado sombrio de sua alma, em filmes onde pudesse explorar personalidades doentias e/ou perigosas, que contrastavam com o perfil solar e agradável com que vinha brindando a plateia até então. Antes que estreasse "Insônia" - um projeto mais ambicioso, dirigido por um Christopher Nolan pós-"Amnésia" mas ainda pré-"Batman begins" e estrelado pelos também oscarizados Al Pacino e Hilary Swank - ele surgiu irreconhecível e sinistro no suspense "Retratos de uma obsessão", que surpreendeu a audiência do Festival de Sundance e lhe rendeu aplausos entusiasmados.

Escrito e dirigido sem obviedades pelo estreante em longas-metragem Mark Romanek - oriundo do universo do videoclipe, onde assinou trabalhos com Madonna, Michael Jackson, Morrissey e REM, entre outros - o filme foge da violência gratuita e do suspense barato ao criar um universo de rimo próprio e visual asséptico, que reflete a mentalidade vazia e obsessiva de seu protagonista, um vilão atípico, que esconde, por trás de um constante sorriso e de uma gentileza quase exagerada, uma doentia dedicação profissional que só pode terminar em tragédia. O olhar vazio, a delicadeza de gestos e a absoluta falta de senso de humor - ao menos aquele pelo qual ele é conhecido - fazem de Sy Parrish, o personagem interpretado por Williams no filme, o mais angustiante de sua carreira, especialmente porque o roteiro de Romanek não faz dele um super-humano dotado de poderes. Parrish é uma pessoa como outra qualquer, que pode fazer parte da vida de qualquer um mesmo despercebidamente. E é isso que faz dele tão desconfortavelmente real.

No filme de Romanek - que evita sustos constantes e faz uso inteligente da trilha sonora discreta - Sy Parrish é o solícito funcionário de um quiosque de revelação de filmes fotográficos localizado dentro de uma grande loja de departamentos. Solitário e introvertido, ele vive através das fotografias que revela, conhecendo os momentos mais felizes de seus clientes - sua teoria é que ninguém fotografa tristezas, por não querer relembrá-las no futuro. Sua extrema fascinação e dedicação ao trabalho é ainda mais radical quando se trata dos Yorkin, uma família aparentemente perfeita cuja trajetória de felicidade e realizações ele acompanha há quase uma década, com uma fidelidade canina que o faz inclusive decorar a parede de seu apartamento com todas as fotos reveladas pelo casal e seu filho pequeno. Sentindo-se parte integrante da família, Parrish entra em desespero quando descobre que Will (Michael Vartan, apático e quase canastrão) não é o marido perfeito que deveria ser: não só tem uma amante como registra seus momentos românticos com ela - uma espécie de conspurcamento de sua profissão. Enfurecido com a situação, ele toma as dores de sua adorada Nina (Connie Nielsen) e planeja uma vingança inesperada e cruel.

Arquitetando com cuidado cada sequência como forma de preparar um clímax tanto surpreendente - pela ausência de violência física, pela construção gradativa de tensão e pelo inusitado da resolução - quanto angustiante, Mark Romanek acerta em fugir dos clichês do gênero, evitando com maestria seguir os caminhos mais fáceis e preferindo enfatizar as características sinistras de seu protagonista, que encontra o intérprete ideal em Robin Williams. Transmitindo uma sensação de constante perigo através de seus sorrisos, Williams entrega um trabalho que equilibra como poucos em sua carreira o dramático e o assustador - sua aproximação à Nina através de um livro de Deepak Chopra e de seu filho com presentes aparentemente sem segundas intenções apavoram mais do que litros e litros de sangue. No caso do filme de Romanek, menos é mais. E o público que gosta de inteligência quando assiste a um suspense não tem do que se queixar.

POR UM SENTIDO NA VIDA

POR UM SENTIDO NA VIDA (The good girl, 2002, Fox Searchlight Pictures, 93min) Direção: Miguel Arteta. Roteiro: Mike White. Fotografia: Enrique Chediak. Montagem: Jeff Betancourt. Música: Tony Maxwell, James O'Brien, Mark Orton, Joey Waronker. Figurino: Nancy Steiner. Direção de arte/cenários: Daniel Bradford/Susan Emshwiller. Produção executiva: Carol Baum, Kirk D'Amico, Philip Von Alvensleben. Produção: Matthew Greenfield. Elenco: Jennifer Aniston, Jake Gylenhaal, John C. Reilly, Tim Blake Nelson, John Carroll Lynch, Zooey Deschanel, Mike White. Estreia: 12/01/02 (Festival de Sundance)

Segundo consta, antes que começassem as filmagens de "Por um sentido na vida", a atriz Jennifer Aniston implorou ao diretor Miguel Arteta que a impedisse de repetir no filme - um drama baixo astral sobre uma mulher comum tentando dar cor à sua vida medíocre - os trejeitos cômicos que fizeram dela uma das atrizes mais populares do mundo, graças à série "Friends". Tentando mais uma vez provar aos críticos e ao público o seu talento dramático, Aniston não queria que Justine Last, sua personagem na obra de Arteta, lembrasse em absolutamente nada a avoada e volúvel Rachel Green. O pedido deu certo: elogiada unanimemente por seu desempenho, Aniston entregou um dos mais consistentes desempenhos de sua carreira em um papel denso, complexo e não exatamente simpático, que mostrou que, por trás de sua beleza, simpatia e do então casamento com Brad Pitt, existia uma atriz de muitas nuances à espera de serem exploradas.

Sem o glamour e a produção da série de TV, Aniston interpreta Justine, uma entediada e frustrada funcionária de um loja de descontos de uma cidade do interior dos EUA. Casada com o pouco ambicioso Phil (John C. Reilly), que vive de pintar casas e fumar maconha ao lado do sócio Bubba (Tim Blake Nelson), ela tem como maior expectativa de seus dias o momento de finalmente ficar grávida para injetar emoção em seu dia-a-dia. Esperando pacientemente uma virada em sua vida, ela conhece o novo colega de trabalho, o jovem Holden Worther (Jake Gyllenhaal), que deseja tornar-se escritor e mora com os pais depois de problemas com a justiça. Surge entre eles uma imediata identificação e não demora para que os dois iniciem uma tórrida relação proibida, cujas consequências se tornam cada vez mais perigosas e dramáticas conforme passam a envolver outras pessoas. Apaixonado por Justine, Holden - que emprestou seu pseudônimo do protagonista do romance "O apanhador no campo de centeio" - resolve fugir com a mulher amada, mas as coisas saem do controle quando uma testemunha do romance ilícito entre eles surge com uma chantagem inesperada que os leva a um dilema ainda maior.

Com um ritmo que desafia a velocidade quase histérica do cinema comercial americano, "Por um sentido na vida" mergulha o espectador dentro da morosidade e da mediocridade da vida de Justine para que ele consiga, dentro das possibilidades, compreender as atitudes da protagonista, frequentemente discutíveis ou pouco éticas. Até mesmo o título original - "a boa menina" - soa irônico diante do sinuoso caminho escolhido por ela para atingir seus objetivos nem sempre claros, mais por culpa de sua imaturidade e de sua insegurança do que por problemas de roteiro, escrito com uma concisão e uma delicadeza que permitem até mesmo um final agridoce e melancólico ao invés do previsível clímax melodramático ou exagerado. É lógico que para isso colabora também mais uma atuação exemplar de John C. Reilly, sempre eficientíssimo em dar vida a personagens presos a relacionamentos e vidas simples e pacatas. Seu Phil é uma vítima inocente do romance extraconjugal da esposa, uma espécie de Madame Bovary dos subúrbios americanos, que se envolve com uma encarnação moderna do jovem Werther criado por Goethe e se dirige, sem freios, a um destino talvez pior do que poderia esperar de sua existência modorrenta. Tal história é contada com sutileza por Miguel Arteta, que deixa nas mãos competentes de seu elenco explorar cada minúcia da personalidade de seus personagens, ricos em camadas a ponto de surpreender o próprio público com as reviravoltas da trama.

Mas é inegável que boa parte da força de "Por um sentido na vida" se deve ao trabalho irretocável de Jennifer Aniston, que deixa a vaidade de lado e apresenta à plateia um lado poucas vezes explorado anteriormente em sua carreira. Com um olhar vazio e um postura cansada, ela transmite em poucos diálogos um turbilhão de sentimentos e toda uma vida de insucessos que acabam fatalmente a jogá-la nos braços do igualmente desiludido Holden, que apesar da pouca idade, já acumula experiência o bastante para enxergar na colega de trabalho sua última chance de felicidade e realização. O encontro de tais almas - inquietas, sedentas por emoções, carentes - é o combustível para uma história triste, melancólica e desesperançosa, mas contada de forma enxuta e extremamente eficaz. Um pequeno grande filme.

SECRETÁRIA

SECRETÁRIA (Secretary, 2002, LionsGate Films/Double A Films, 104min) Direção: Steven Shainberg. Roteiro: Erin Cressida Wilson, adaptação de Erin Cressida Wilson, Steven Shainberg, estória de Mary Gaitskill. Fotografia: Steven Fierberg. Montagem: Pam Wise. Música: Angelo Badalamenti. Figurino: Marjorie Bowers. Direção de arte/cenários: Amy Danger/Michael Baker, Michael Murray. Produção executiva: Jamie Beardsley, Joel Posner, P.J. Posner, Michael Roban. Produção: Andrew Fierberg, Amy Hobby, Steven Shainberg. Elenco: James Spader, Maggie Gylenhaal, Lesley Ann Warren, Jeremy Davies, Amy Locane. Estreia: 11/01/02 (Festival de Sundance)

Ela é uma jovem recém-saída de uma instituição para doentes mentais, para onde foi enviada por seu gosto excêntrico pela automutilação. Ele é um advogado sério e misterioso que esconde sua impulsiva tendência à dominar e humilhar suas funcionárias até o limite. Quando eles se encontram - ela se oferece para preencher a vaga de secretária em seu escritório - tudo parece se encaixar. Mas até onde uma história de amor entre duas pessoas tão fora do padrão imposto pela sociedade pode ir? E até onde eles mesmos estão dispostos a chegar em sua bizarra relação? Essas são as questões levantadas pela comédia "Secretária", que deu à Maggie Gyllenhaal uma merecida indicação ao Golden Globe - e antes que alguém se assuste com a classificação do filme de Steven Shainberg como "comédia",  vale dizer que, apesar do tema um tanto pesado, o clima passa longe dos psicologismos kafkianos de um David Lynch ou até mesmo da densidade de "Uma professora de piano", do austríaco Michael Haneke - cuja protagonista vivida por Isabelle Huppert também se torturava com seus desejos masoquistas. Modificando alguns detalhes de um conto de Mary Gaitskill, o filme de Shainberg trata de tudo com leveza e respeito, a ponto de fazer a plateia simpatizar e torcer por sua protagonista.

Muito por causa do talento e da naturalidade de Maggie Gyllenhaal - irmã de Jake e futura esposa do ator Peter Sarsgaard - em encarar sequências que em mãos menos hábeis poderiam soar grotescas, a personagem principal de "Secretária" se desvia com facilidade do caricatural, criando vida própria através de pequenos detalhes que a aproximam do espectador e despertam nele uma empatia essencial para o sucesso do filme. Com seu rosto apropriado para transmitir todos os tipos de sentimentos , Maggie empresta seriedade e delicadeza ao filme mesmo quando ele ameaça escorregar para a vulgaridade - e para isso conta com a direção segura e a excelente química com James Spader, que volta a flertar com a sexualidade alternativa depois de sua explosão como o videomaker impotente de "sexo, mentiras e videotape", que lançou o cineasta Steven Soderbergh em 1988. Juntos, ele e Gylenhaal formam uma das duplas românticas mais extravagantes do cinema independente americano de seu tempo.

Quando o filme começa, Lee Holloway (Maggie Gylenhaal) está saindo da instituição psiquiátrica onde foi internada pelos pais depois de um acidente quase fatal com sua excêntrica mania de se automutilar. Ao contrário da irmã que acaba de se casar, ela preocupa os pais por seu jeito retraído de ser, que esconde um grave problema de autoestima que nem mesmo a corte de um antigo amigo da família, Peter (Jeremy Davis) parece diminuir. Em busca de um emprego para ajudar em sua recuperação, Lee encontra no jornal o anúncio de um vaga para secretária e não demora em encantar seu possível patrão, o advogado E. Edward Grey (James Spader), que a contrata deixando claro que o trabalho é exaustivo, que eles não usam computadores e ele é muito exigente. A jovem, cujas habilidades sociais são praticamente nulas, logo se acostuma com o jeito meio grosseiro do novo chefe, que constantemente a humilha por suas roupas inapropriadas ou por seus erros primários em datilografia. Porém, quando Grey passa a perceber que seus modos dominadores estão atraindo Lee, começa entre eles um jogo de submissão a princípio discreto mas logo muito explícito. Em pouco tempo a secretária está apaixonada pelo patrão - e ele tampouco está indiferente à nova funcionária.

Nem todo mundo vai considerar "Secretária" uma comédia engraçadíssima, e provavelmente nem é essa a intenção de seus realizadores, que em momento algum forçam piadas ou diálogos óbvios. O humor do filme vem da situação surreal que envolve os dois protagonistas, que transferem suas posições hierárquicas profissionais para o campo sentimental num piscar de olhos - e sem medir as consequências de seus atos. Sem desrespeitar a condição psicológica de Lee ou fazer brincadeiras com ela, Shainberg trata sua história como um conto de amor entre pessoas que ousam viver seus desejos e prazeres mesmo que eles pareçam doentios aos olhos alheios. A felicidade com que Lee se entrega às propostas bizarras de Grey - cujo nome foi "emprestado" para o protagonista de "50 tons de cinza" - salva sua vida, apesar dos pesares e o fato de Shainberg dar um final feliz ao casal torna leve o que poderia ser um estudo aborrecido sobre um assunto ainda tabu no cinema americano comercial - ao menos nunca foi tratado com a devida seriedade por ele. Uma comédia romântica atípica feita para quem busca ousadia na sétima arte.

IRIS

IRIS (Iris, 2001, BBC Films/Intermedia Films, 91min) Direção: Richard Eyre. Roteiro: Richard Eyre, Charles Woods, livros "Iris: a memoir" e "Elegy for Iris", de John Bailey. Fotografia: Roger Pratt. Montagem: Martin Walsh. Música: James Horner. Figurino: Ruth Myers. Direção de arte/cenários: Gemma Jackson/Trisha Edwards. Produção executiva: Guy East, Tom Hedley, Anthony Minghella, Sydney Pollack, David M. Thompson, Harvey Weinstein. Produção: Robert Fox, Scott Rudin. Elenco: Judi Dench, Jim Broadbent, Kate Winslet, Hugh Boneville. Estreia: 14/12/01

3 indicações ao Oscar: Atriz (Judi Dench), Ator Coadjuvante (Jim Broadbent), Atriz Coadjuvante (Kate Winslet)
Vencedor do Oscar de Ator Coadjuvante (Jim Broadbent)
Vencedor do Golden Globe de Ator Coadjuvante (Jim Broadbent) 

Filósofa, romancista, poeta e dramaturga, Iris Murdoch foi uma das intelectuais mais respeitadas do século XX. Dona de um espírito livre e à frente do seu tempo, ela encantou a homens e mulheres na mesma medida, mas foi apenas uma história de amor que marcou sua brilhante trajetória. Essa história, vivida ao lado do marido, o também escritor John Bailey - que aceitou as idiossincrasias da mulher e ficou a seu lado até seus últimos momentos - foi contada em dois livros, que, juntos, chegaram adaptados às telas de cinema em 2001, sob a direção de Richard Eyre. Estrelado por Judi Dench e Kate Winslet dividindo o papel central em duas fases distintas da protagonista, "Iris" comoveu os membros da Academia, que indicou ambas ao Oscar - Dench na categoria principal, Winslet como coadjuvante - mas premiou apenas Jim Broadbent por seu desempenho como Bailey, seu leal e dedicado marido. Partilhando o papel com Hugh Boneville (de impressionante semelhança física e que o interpreta na juventude), Broadbent ficou com a estatueta no mesmo ano em que também marcou presença em dois sucessos de bilheteria: em "O diário de Bridget Jones" viveu o pai da protagonista interpretada por Renée Zelwegger, e em "Moulin Rouge", dava vida a Harold Zidler, o dono do cabaré que dava título ao filme de Baz Luhrmann.

Os inúmeros prêmios arrebatados por Broadbent - que incluem também o Golden Globe e a láurea dos críticos de Los Angeles e do National Board of Review - refletem, sem dúvida nenhuma, uma interpretação intensa e visceral, mas não conseguem eclipsar o trabalho espetacular da sempre ótima Judi Dench - também ela multipremiada por seu desempenho. Atriz repleta de nuances, Dench tira partido de sua vasta experiência para criar uma Iris Murdoch emocionante em sua maturidade, quando começa a demonstrar os traços do mal de Alzheimer que a acompanharia até seus momentos finais. Em um trabalho calcado basicamente no olhar triste e desesperado de uma mulher diante do fim de sua genialidade, ela consegue até mesmo a façanha de sobressair-se a um roteiro que, tentando ecoar a poesia do texto de Bailey, sofre de uma fragilidade dramática que dissolve suas possibilidades dramáticas. Mesmo tratando de um tema forte e contando uma história com altas chances de arrancar lágrimas dos espectadores, "Iris" não consegue disfarçar sua frieza narrativa.

Intercalando sua história entre o início da relação entre os protagonistas - então vividos por Kate Winslet e Hugh Boneville - e os anos finais da vida da escritora, quando sua doença torna-se o ponto central da trama, "Iris" tem a seu favor, além do elenco escalado à perfeição, uma direção sensível e uma trilha sonora delicada, que ilustra as cenas sem invadir desnecessariamente o enredo. Porém, assim como o roteiro por vezes se perde na fidelidade quase exagerada à fonte original, a edição de Martin Walsh ocasionalmente tropeça nas tentativas de fundir superfluamente os dois tempos narrativos, não permitindo à plateia que se envolva com a profundidade necessária no drama dos protagonistas. Resta então mergulhar nas atuações mais do que fascinantes do quarteto de atores, que entrega performances muito acima da média. Kate Winslet constrói uma Iris vivaz, quase impertinente, libertária e ousada, capaz de flertar intelectual e sexualmente com qualquer pessoa. Seu parceiro de cena, Hugh Boneville - que havia aparecido antes em "Um lugar chamado Notting Hill", como um dos amigos de Hugh Grant - é um contraponto interessante à seu vulcão de sensualidade e dinamismo e seu trabalho conjunto com Jim Broadbent é um dos pontos altos do filme. E Judi Dench, desnecessário lembrar, hipnotiza sempre que está em cena, com uma presença luminosa mesmo em seus piores e mais trágicos momentos.

Triste e um tanto depressivo, "Iris" foge facilmente do estigma de ser apenas um filme veridíco sobre uma escritora talentosa e uma doença fatal que a aniquila. Dirigido com seriedade e extrema sensibilidade por Richard Eyre - que voltaria a dirigir Dench no superior "Notas sobre um escândalo" (06) - o filme é uma bela história de amor e lealdade, contado com poesia e discrição. Se os livros de Bailey já eram uma bela homenagem à Murdoch, sua adaptação para as telas é um belíssimo complemento.

OS EXCÊNTRICOS TENENBAUMS

OS EXCÊNTRICOS TENENBAUMS (The royal Tenenbaums, 2001, Touchstone Pictures, 110min) Direção: Wes Anderson. Roteiro: Wes Anderson, Owen Wilson. Fotografia: Robert Yeoman. Montagem: Dylan Tichenor. Música: Mark Mothersbaugh. Figurino: Karen Patch. Direção de arte/cenários: David Wasco. Produção executiva: Rudd Simmons, Owen Wilson. Produção: Wes Anderson, Barry Mendel, Scott Rudin. Elenco: Gene Hackman, Anjelica Huston, Gwyneth Paltrow, Ben Stiller, Owen Wilson, Luke Wilson, Bill Murray, Danny Glover, Seymour Cassel, Alec Baldwin. Estreia: 05/10/01 (Festival de Nova York)

Indicado ao Oscar de Roteiro Original
Vencedor do Golden Globe de Melhor Ator Comédia/Musical (Gene Hackman) 

Era uma vez uma família de pequenos gênios que, não conseguindo lidar com o tamanho de seus talentos, cresceu à sombra de seus precoces feitos, levando uma vida adulta triste e frustrada até que seu pai, de quem viveram afastados por décadas, reaparece alegando uma doença terminal e uma vontade férrea de reconciliação. Essa trama, um tanto banal a princípio, é a base para um dos filmes mais estranhos, criativos e surpreendentemente comoventes de 2001 - apesar de ser, a rigor, uma comédia: dirigido por Wes Anderson e co-escrito por ele e o ator Owen Wilson, "Os excêntricos Tenenbaums" aprimora o estilo de seu diretor - depois do pouco conhecido "Pura adrenalina" e do cultuado "Três é demais" - ao contar a história desses bizarros personagens incapazes de lidar com sua decadência de forma divertida e emocionante, com toques discretos de melancolia e cinismo. Contando com um elenco formado por atores premiados com o Oscar - Gene Hackman, Anjelica Huston e Gwyneth Paltrow - e colaboradores habituais - Owen Wilson, seu irmão Luke, Bill Murray - Anderson criou um espetáculo de estilo personalíssimo, capaz até mesmo de chamar a atenção da Academia de Hollywood, que lhe deu a oportunidade de concorrer ao Oscar de melhor roteiro original - que perdeu para "Assassinato em Gosford Park". Essa mesma Academia, que ignorou o desempenho exemplar de Gene Hackman como o patriarca Royal Tenenbaum, mais de uma década depois se encantaria com "O Grande Hotel Budapeste", obra da maturidade do cineasta -  mas os fãs já conheciam esse talento há muito tempo.

A história da família Tenenbaum é narrada pela voz de Alec Baldwin, que dá o tom exato entre fábula e comédia de costumes à sua estranha trajetória. Quando crianças, os três filhos de Royal e Etheline Tenenbaum (Gene Hackman e Anjelica Huston) demonstram talentos incomuns para sua idade, transformando-se rapidamente em pequenas celebridades: o mais velho, Chas, desenvolve habilidades incomuns para as finanças e a química; a filha adotiva, Margot, escreve peças de teatro aplaudidíssimas; e o caçula Richie chama a atenção como prodigioso jogador de tênis. A separação de seus pais, porém, abala suas estruturas emocionais e intelectuais e os joga em uma espécie de arremedo deles mesmos. Vinte e dois anos depois da separação, os três irmãos vivem prostrados diante de suas vidas medíocres: Chas (Ben Stiller) acaba de perder a esposa e tenta cuidar sozinho dos dois filhos pequenos, versões em miniatura de si mesmo. Margot (Gwyneth Paltrow) deixou o teatro de lado e vive em depressão ao lado do marido, o brilhante psiquiatra Raleigh St. Clair (Bill Murray), com idade para ser seu pai. E Richie (Luke Wilson), depois de abandonar a carreira durante uma crise emocional em uma partida, saiu em viagem pelo mundo em um barco de pesca. Quando seu pai retorna à mansão onde todos foram criados, dizendo estar sofrendo de um câncer terminal - às vésperas do casamento de Etheline com o contador Henry Sherman (Danny Glover) - a família se vê obrigada a encarar os fantasmas do passado para finalmente conseguir olhar para a frente.

A trama soa como um dramalhão dos mais carregados no açúcar, mas Anderson não é um diretor dado a sentimentalismos baratos, e aplica em seu roteiro toda a criatividade visual que se tornaria sua marca registrada. A mansão da família, que serve como principal cenário, por exemplo, é de uma sofisticação visual impressionante, refletindo em cada detalhe todos os paradoxos temporais e psicológicos da trama, repleta de camadas e piadas escondidas (como o fato de todos os irmãos terem sido inspirados em personalidades reais, como o tenista Bjorn Borg, a cantora alemã Nico e no escritor Cormac McCarthy). A história de amor proibido entre Richie e sua irmã adotiva Margot dá o toque romântico ao roteiro, que ainda encontra espaço para explorar os dramas de Eli Cash (Owen Wilson), vizinho da família que se torna famoso como romancista especialista em desmistificar heróis americanos - e cujo maior sonho era ser um Tenenbaum. Fugindo do piegas até mesmo nos embates dramáticos entre pai e filhos, o filme de Anderson é conduzido como um delicado acerto de contas banhado em uma ironia rara e inteligente que transpira até mesmo nos figurinos irreverentes - os três irmãos, por exemplo, usam, mesmo na fase adulta, o mesmo estilo de roupas que usavam na infância.

E se o roteiro e a direção de "Os excêntricos Tenenbaums" são um show de sutileza e minimalismo, o mesmo pode ser dito a respeito do extraordinário elenco reunido por Wes Anderson. Gene Hackman levou o Golden Globe de melhor ator em comédia ou musical por seu trabalho como Royal Tenenbaum - no qual ele inspirou-se na própria relação distante com os filhos - e Anjelica Huston mais uma vez mostra que não é preciso lágrimas em profusão para emocionar. E os três irmãos gênios - Ben Stiller, Gwyneth Paltrow e Luke Wilson - estão no tom perfeito, entrando com presteza no jogo do cineasta, dono de um estilo tão peculiar que muitas vezes pode soar artificial. No entanto, quem se deixa cativar por sua exuberância não tem do que reclamar. A família Tenenbaum é, sem dúvida, o exemplo perfeito do seu cinema que a tantos encanta.

ASSASSINATO EM GOSFORD PARK

ASSASSINATO EM GOSFORD PARK (Gosford Park, 2001, USA Films/Capitol Films, 137min) Direção: Robert Altman. Roteiro: Julian Fellowes. Fotografia: Andrew Dunn. Montagem: Tim Squyres. Música: Patrick Doyle. Figurino: Jenny Beavan. Direção de arte/cenários: Stephen Altman/Anna Pinnock. Produção executiva: Jane Barclay, Sharon Harel, Robert Jones, Hannah Leader. Produção: Robert Altman, Bob Balaban, David Levy. Elenco: Maggie Smith, Michael Gambon, Kristin Scott Thomas, Camilla Rutherford, Charles Dance, Tom Hollander, Jeremy Northam, Bob Balaban, Ryan Phillipe, Stephen Fry, Kelly McDonald, Helen Mirren, Clive Owen, Eileen Atkins, Emily Watson, Derek Jacobi, Richard E. Grant. Estreia: 07/11/01 (Festival de Londres)

7 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Diretor (Robert Altman), Atriz Coadjuvante (Helen Mirren), Atriz Coadjuvante (Maggie Smith), Roteiro Original, Figurino, Direção de Arte/Cenários
Vencedor do Golden Globe de Melhor Diretor (Robert Altman) 

Uma luxuosa casa de campo inglesa pré-II Guerra. Um fim-de-semana festivo, com convidados elegantíssimos e criados dedicados mas um tanto ressentidos. Um anfitrião aparentemente generoso, mas dono de segredos pouco louváveis. Esnobes britânicos e "vulgares" americanos da terra do cinema. E um homicídio misterioso cometido na biblioteca obrigando um típico inspetor a penetrar em um mundo de meias-verdades, traições e romances escusos. Parece Agatha Christie, mas é apenas "Assassinato em Gosford Park", o filme que deu ao cineasta Robert Altman sua última indicação ao Oscar, em 2002. Seguindo sua prática de trabalhar com um numeroso elenco de nomes de primeira linha - aqui atores britânicos consagrados nos palcos - ele brinca com a tradição dos romances policiais em um filme que, apesar do título e das características marcantes de um gênero específico, é mais uma dura crítica ao sistema de classes inglês do que um mero whodunit.

Com base em uma ideia de Altman e do ator Bob Balaban, o roteirista Julian Fellowes - que acabou por ganhar uma estatueta da Academia e depois tornou-se o criador da aclamada série "Dowtown Abbey" - utilizou-se de seu vasto conhecimento sobre os hábitos da alta sociedade britânica dos anos 30 para escrever uma astuciosa história a respeito não apenas de um assassinato, mas das engrenagens que moviam/movem/moverão o dia-a-dia e a rotina de patrões e empregados nem sempre felizes com suas relações de poder e hierarquia. Sutilmente explicitando tais relações em cada cena (nenhum personagem é mostrado sem que um empregado esteja por perto, por exemplo), Altman conquistou a crítica também por espalhar por seu filme uma elegância que reflete com perfeição a frieza e a indiferença dos personagens em relação à tragédia ocorrida em um dos aposentos da mansão: para os serviçais importa mais manter o funcionamento das refeições; para os aristocratas, tudo não passa de mais um aborrecimento que interrompe um fim-de-semana já movimentado o bastante por intrigas de bastidores. Essa opção do diretor apenas confirma seu estilo inconfundível, que a tantos agrada e a outros tantos repele. "Assassinato em Gosford Park" pode fascinar ou ser simplesmente chato. Depende apenas do gosto do espectador.

A história se passa em novembro de 1932, na casa de campo do benemérito William McCordle (Michael Gambon), que recebe convidados para um fim-de-semana regado a uma caçada em sua propriedade e jantares refinados, criados pela veterana cozinheira Mrs. Croft (Eileen Atkins) e organizados pela rígida governanta, Mrs. Wilson (Helen Mirren). Casado com a esnobe Lady Sylvia (Kristin Scott Thomas), o aristocrata McCordle não é exatamente um homem gentil ou delicado, mas é tratado com deferência pelos convidados, uma vez que, em maior ou menor grau, todos eles precisam de seu dinheiro,seja para manter um estilo de vida sofisticado, financiar um filme, manter uma pensão tida erroneamente como vitalícia ou evitar uma falência. Enquanto no andar de cima o jogo de interesses corre solto e pouco sutil, na parte de baixo da mansão, os criados vivem seus próprios dramas - que se misturam aos dos patrões quando o anfitrião aparece morto e a polícia surge para investigar o caso.

Em um elenco repleto de grandes atores do teatro e do cinema britânicos (o americano Ryan Philippe interpreta o criado de um astro do cinema vivido por Jeremy Northam), é difícil dizer quem está melhor. Maggie Smith e Helen Mirren foram indicadas ao Oscar de coadjuvante - a primeira pela interpretação de uma dama antipática e interesseira que vive da pensão da vítima do homicídio e não esconde seu desprezo pelos americanos e por aqueles abaixo dela na escala social, e a segunda como a líder dos empregados que esconde um segredo doloroso sobre o passado de seu patrão - mas outros nomes se destacam diante dos lúcidos diálogos de Fellowes. É o caso de Kristin Scott Thomas, mais uma vez demonstrando seu imenso talento como Lady Sylvia - uma viúva pouco propensa a sofrer pela morte do marido - e Eileen Atkins, que somente no terço final da narrativa mostra o poder de sua personagem, até então relegada a um injusto segundo plano. Dirigidos como se estivessem em uma bela peça teatral, todos brindam o espectador com trabalhos discretos e minimalistas, valorizados pelo roteiro aparentemente simples mas repleto de camadas que somente a experiência de Altman conseguiria orquestrar.

"Assassinato em Gosford Park" concorreu a sete Oscar, mas bateu de frente com "Uma mente brilhante" e "O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel" na busca pelas estatuetas. Foi (mais) um retorno de Altman às boas graças da crítica e da Academia, fato que não se repetiria mais até sua morte em 2006. Pode-se dizer que foi um testamento à altura de uma carreira que sempre teimou em não respeitar convenções comerciais - ou então revirá-las a ponto de torná-las irreconhecíveis. Não é um filme para todos, e sim para seus fãs - que não são poucos.

DO INFERNO

DO INFERNO (From hell, 2001, 20th Century Fox, 122min) Direção: Albert Hughes, Allen Hughes. Roteiro: Terry Hayes, Rafael Yglesias, graphic novel de Alan Moore, Eddie Campbell. Fotografia: Peter Deming. Montagem: George Bowers, Dan Lebental. Música: Trevor Jones. Figurino: Kym Barrett. Direção de arte/cenários: Martin Childs/Jill Quertier. Produção executiva: Thomas M. Hammell, Albert Hughes, Allen Hughes. Produção: Jane Hamsher, Don Murphy. Elenco: Johnny Depp, Heather Graham, Ian Holm, Robbie Coltrane, Ian Richardson, Jason Flemyng, Joanna Page, Mark Dexter. Estreia: 08/9/01 (Festival de Veneza)

Um dos personagens mais fascinantes da crônica policial universal - e que deu origem a livros, filmes, peças de teatro, estudos, teses e todo tipo de material possível e imaginável - não poderia deixar de ser retratado em uma das manifestações artísticas mais cultuadas do final do século XX, as graphic novels. Tendo Jack, o Estripador como personagem principal - e revelando sua identidade logo nas primeiras páginas, com base em uma teoria que muitos consideram incorreta e sem sentido - o livro "Do inferno", escrito e desenhado por Alan Moore e Eddie Campbell chegou às livrarias em 1991, com mais de 570 páginas recheadas de informações e detalhes históricos capazes de fazer salivar qualquer interessado no assunto, por mais cético que seja a respeito de suas conclusões. Centrando sua trama nos pensamentos de Jack e em suas razões para assassinar as prostitutas londrinas que frequentavam a zona pobre da Londres de 1888, o livro parecia um desafio a qualquer roteirista de cinema, que se veria em maus lençóis para adaptar ao gosto do público médio uma história tão sangrenta e, pior ainda, sem um herói para se torcer. No entanto, como a terra do cinema tem seus meios - e um tema assim não poderia passar em brancas nuvens pelos ambiciosos produtores - o Festival de Veneza de 2001 serviu de plataforma para o lançamento de sua versão cinematográfica, dirigida por dois irmãos afro-americanos (Albert e Allen Hughes) e estrelada por um dos atores mais populares do cinema americano, Johnny Depp. Não, Depp - queridinho das adolescentes desde que fazia a telessérie "Anjos da lei" - não interpretava Jack. Aliás, Jack nem era mais o protagonista da história. Na versão da 20th Century Fox quem dava as cartas era Frederick Abberline, um dos inspetores responsáveis pela caça ao serial killer. Coisas de Hollywood.

No filme dos Irmãos Hughes - estiloso, plasticamente estonteante e visceralmente violento, ainda que disfarce tal violência com uma fotografia apropriadamente escurecida - Abberline assume a protagonização da história, sendo promovido de sua função no livro e tendo sua personalidade alterada, uma vez que chamou para si características de outro personagem importante da narrativa literária (um vidente chamado Robert Lees que foi limado do roteiro final). Interpretado por Depp, o inspetor ganhou novas nuances (vício em ópio, por exemplo, o que cai como uma luva na mania do ator em sempre interpretar excêntricos ou drogados) e até uma insinuação de romance com a prostituta Mary Kelly (Heather Graham), que, a despeito da descrição de suas colegas feitas em todo e qualquer artigo escrito sobre o assunto, é bonita, limpa e jovem. Assumindo o papel que foi oferecido anteriormente a Daniel Day Lewis, Jude Law, Brad Pitt e até Sean Connery, Depp oferece ao filme o que a graphic novel não tinha - um herói com passado dramático com quem o público possa se identificar - mas tira do projeto o que ele poderia ter de melhor: personalidade.

Ao optar por um ritmo repleto de camadas que exploravam todas as linhas investigativas do caso de Jack, os autores da graphic novel criaram uma obra única e fascinante, mas os fãs do livro tiveram que contentar-se com uma adaptação narrativa nos moldes clássicos, ou seja, sem maiores ousadias ou surpresas. Na Londres de 1888, uma série de assassinatos mexe com a imaginação popular e com a segurança pública: prostitutas estão sendo violentamente mortas e mutiladas por um criminoso que parece ter conhecimento de anatomia humana e tem um sombrio senso de humor, deixando recados à polícia a respeito de seus feitos. Auto-intitulado Jack, o Estripador, ele acaba por tornar-se a missão do Inspetor Abberline (Depp) - cujos métodos pouco ortodoxos de investigação incluem visões promovidas pelo uso constante de ópio. Seguindo as pistas deixadas pelo psicopata, ele chega até Sir William Gull (Ian Holm), médico da família real e membro da comunidade maçônica londrina que aparenta saber muito mais do que deixa antever seu cuidado excessivo com o jovem príncipe Edward Albert (Mark Dexter) - que mantém uma misteriosa relação com uma jovem prostituta chamada Ann Crook (Joanna Page) e pode ser a chave do mistério.

Apesar de diluir todas as informações da obra original para que elas caibam em um filme de duas horas e de tirar dela sua essência, a versão para o cinema de "Do inferno" tem muitas qualidades, especialmente quando o assunto é visual. A fotografia de Peter Deming e a reconstituição de época que praticamente esfrega na cara do público a pobreza e a tristeza de um lado menos turístico de Londres são excepcionais, assim como a noção dos irmãos Hughes em explorar da melhor maneira possível os detalhes históricos da trama mesmo que seu desfecho não seja reconhecido como verdadeiro. Uma adaptação fiel seria genial, mas dentro do cinema comercial e suas exigências, é um filme policial clássico - com direito até mesmo a um final açucarado que quase põe tudo a perder e alguns exageros facilmente perdoáveis - capaz de agradar a quem tem paciência para produtos com ritmo menos alucinante. E nem Johnny Depp e seus excessos conseguem estragar o programa.

A PARTILHA

A PARTILHA (A partilha, 2001, Globo Filmes/Lereby Productions, 96min) Direção: Daniel Filho. Roteiro: João Emanuel Carneiro, Miguel Falabella, Daniel Filho, Mark Haskell Smith, peça teatral homônima de Miguel Falabella. Fotografia: Félix Monti. Montagem: Felipe Lacerda. Música: Rita Lee, Nelson Motta. Figurino: Marilia Carneiro. Direção de arte: Marcos Flaksman. Produção executiva: Caíque Martins Ferreira. Produção: Valéria Costa Amorim, Daniel Filho. Elenco: Glória Pires, Andréa Beltrão, Lília Cabral, Paloma Duarte, Herson Capri, Marcello Antony, Thiago Fragoso, Guta Stresser, Cassiano Carneiro, Fernanda Rodrigues, Chica Xavier. Estreia: 08/6/01

Em 1987, quando interpretava a vilã Laura da novela "O outro", da Rede Globo, a atriz Natália do Valle deu ao ator Miguel Falabella - seu irmão na trama - a ideia de uma peça teatral que falava sobre o reencontro de um grupo de irmãs bastante diferentes entre si para discutir o inventário da mãe recentemente morta. Arlete Salles, que também estava na novela interpretando uma misteriosa governanta, também entrou no projeto, e quatro anos depois surgia "A partilha", um dos maiores sucessos de bilheteria do teatro nacional, que ficou em cartaz por seis anos, viajou para mais de dez países e fez gargalhar e chorar milhares de espectadores. Seu sucesso extraordinário logo chamou a atenção até mesmo de Hollywood, que acenou com a possibilidade de levar o texto para as telonas - devidamente adaptado para a realidade norte-americana e com outras atrizes nos papéis defendidos (e consagrados) por Natália, Arlete, Susana Vieira e Thereza Piffer, que viviam as outras irmãs. Felizmente o projeto de uma versão ianque da peça não vingou, mas Daniel Filho - um dos mais influentes diretores da televisão brasileira e que havia sentido o gostinho do cinema ao dirigir "O cangaceiro trapalhão", veículo para o estrelato do quarteto Os Trapalhões, em 1982 - achou que era hora de voltar ao ofício de cineasta, uma paixão há muito reprimida. Foi assim que, dez anos depois da estreia de "A partilha" nos palcos, ela finalmente chegava aos cinemas, com um elenco novo em folha, subtramas expandidas e cara de especial de televisão.

Co-produzido pela Globo Filmes - o que explica sua linguagem pouco cinematográfica e o elenco de rostos conhecidos das telenovelas - "A partilha" sofre de um grave defeito: para garantir uma hora e meia de duração, o roteiro dilui a densidade dramática e o timing cômico da peça, diminuindo assim um de seus maiores trunfos, o texto ágil e redondo de Falabella, que no filme assume o papel de co-roteirista, ao lado do próprio diretor, do futuro autor de novelas João Emanuel Carneiro e do americano Mark Haskell Smith. Evitando a claustrofobia de manter a ação somente no apartamento da família - o maior bem do inventário e principal motivo de discussão entre as personagens - o roteiro amplia os dramas de suas protagonistas, apresentando ao público coadjuvantes apenas citados na versão teatral, como um marido militar e sua filha adolescente grávida, um filho revoltado com a distância geográfica que sua mãe impôs e uma namorada lésbica. Nem todos funcionam, principalmente porque nem sempre o texto consegue manter o frescor que Falabella imprime em seus diálogos, mas ainda assim o filme conquista facilmente a plateia graças ao imenso carisma de suas intérpretes centrais.

Glória Pires vive Selma, uma mulher reprimida que abdicou de uma profissão para viver ao lado do marido, Luís Fernando (Herson Capri), da filha adolescente e da mãe viúva. Quando a mãe morre, depois de uma longa enfermidade, ela resolve chamar as irmãs para discutir os detalhes do funeral, o inventário e a partilha dos bens. De Paris, chega Lúcia (Lília Cabral), uma mulher expansiva e excêntrica que abandonou marido e o filho para viver uma história de amor fora do Brasil, o que nunca conformou a família. Outra irmã, Regina (Andréa Beltrão), é natureba, esotérica e solteira, praticando o sexo casual sem muita culpa depois de ter criado seus filhos com extrema liberdade. E a caçula, Laura (Paloma Duarte), bem mais jovem que as outras, está terminando sua tese, quer viajar para a Alemanha para fazer pós-graduação e vive um romance com outra mulher. Juntas, elas irão lembrar do passado, discutir ressentimentos, lavar roupa suja e redescobrir o amor que sempre as manteve unidas.

No palco, "A partilha" seduzia a plateia com um senso de humor politicamente incorreto, uma dose bem generosa de melancolia e uma química intocável entre suas atrizes. Na tela, muitas dessas qualidades se perdem: sem ousadia de espécie alguma, Daniel Filho conduz seu filme de maneira burocrática, quase preguiçosa, apostando todas as suas fichas nos talentos individuais de suas atrizes principais - todas excelentes, mas nem sempre adequadas aos papéis e em alguns momentos com tons dissonantes. Enquanto Glória Pires sublinha sempre o lado mais dramático de sua personagem reprimida - que tenta um romance extraconjugal com o corretor de imóveis vivido por Marcello Antony - Lília Cabral quase resvala no exagero de sua Lúcia (interpretada com maestria por Arlete Salles na versão teatral). Das quatro protagonistas, Andréa Beltrão é quem se sai melhor, equilibrando com talento os dois lados de sua Regina, mesmo quando precisa passar por cima de um clímax desnecessariamente exagerado, que só se justifica pela vontade de criar um humor mais popular - e não exatamente engraçado.

Para quem teve a sorte de assistir à sua versão teatral, o filme "A partilha" é decepcionante, apesar de ser sempre um prazer ver o talento de suas atrizes. Quem assiste à versão cinematográfica sem conhecer o original, é diversão ligeira, inofensiva e por vezes engraçada. Merecia uma adaptação melhor - e de preferência com seu primeiro (e sensacional) elenco.

DIA DE TREINAMENTO

DIA DE TREINAMENTO (Training day, 2001, Warner Bros, 122min) Direção: Antoine Fuqua. Roteiro: David Ayer. Fotografia: Mauro Fiore. Montagem: Conrad Buff. Música: Mark Mancina. Figurino: Michele Michel. Direção de arte/cenários: Naomi Shohan/Jan Pascale. Produção executiva: Bruce Berman, Davis Guggenheim. Produção: Jeffrey Silver. Elenco: Denzel Washington, Ethan Hawke, Scott Glenn, Tom Berenger, Harris Yulin, Raymond J. Barry, Cliff Curtis, Dr. Dre, Eva Mendes, Snoop Dogg, Macy Gray. Estreia: 02/9/01 (Festival de Veneza)

2 indicações ao Oscar: Ator (Denzel Washington), Ator Coadjuvante (Ethan Hawke)
Vencedor do Oscar de Melhor Ator (Denzel Washington) 

Um dos atores negros mais importantes de sua geração e certamente da história do cinema americano, Denzel Washington construiu sua carreira interpretando homens de personalidade forte, frequentemente desafiando o sistema e o preconceito, em especial como o ativista Steve Biko de "Um grito de liberdade" e o ícone máximo "Malcolm X", trabalhos que lhe deram indicações ao Oscar - prêmio que veio pela primeira vez como coadjuvante, por seu desempenho como um escravo fugido que se alista no Exército americano durante a Guerra de Secessão, em "Tempo de glória". Não deixou de ser uma surpresa, portanto, que seu Oscar de melhor ator principal tenha chegado por "Dia de treinamento", onde ele interpreta Alonzo Harris, um policial da divisão de narcóticos de Los Angeles que, apesar de dominador e intenso, joga do lado oposto da lei. Corrupto, violento e amoral, Alonzo Harris é a antítese de todos os personagens vividos por Washington até então e, talvez justamente por isso, é um dos mais empolgantes de sua vitoriosa trajetória.

Marcando história pelo fato de pela primeira vez um ator negro ser premiado com o Oscar por um filme dirigido por um cineasta também negro, Antoine Fuqua, "Dia de treinamento" na verdade poderia ter sido bem diferente do produto que acabou nas telas. Antes que Denzel assume o papel do veterano policial, nomes fortes recusaram a missão: Bruce Willis, Mickey Rourke, Samuel L. Jackson, Gary Sinise e Tom Sizemore pularam fora do projeto antes mesmo do início das filmagens, assim como Matt Damon, Tobey Maguire e até mesmo o rapper Eminem rejeitaram o papel de Jake Hoyt, o parceiro jovem e ingênuo do nada exemplar protagonista - que, no roteiro original, deixava claro à plateia as origens de seu comportamento nocivo, coisa que desapareceu da montagem final definida pelo romancista policial James Ellroy como "pura perda de tempo". Apesar dessa crítica nada gentil do autor de "Los Angeles, cidade proibida", porém, o filme de Fuqua - que já tinha no histórico o visualmente atraente mas oco de conteúdo "Assassinos substitutos" - cumpre o que promete: é um thriller intenso e ritmado, com atuações intensas e uma história interessante o bastante para prender a atenção da primeira à última cena.

O filme acompanha o primeiro dia do jovem Jake Hoyt (Ethan Hawke, indicado ao Oscar de ator coadjuvante) na divisão de narcóticos de Los Angeles. Seu objetivo é trabalhar no escritório da corporação, mas para isso ele precisa passar ao menos 24 horas nas ruas da cidade, ao lado do veterano Alonzo Harris (Denzel Washington exercitando seu lado arrogante e cínico com visível prazer), que há mais de uma década frequenta as calçadas dos bairros mais perigosos e violentos. Pai de uma filha recém-nascida, Hoyt aos poucos começa a perceber que a má fama de Alonzo não é apenas lenda e testemunha atrocidades que o deixam tão chocados quanto revoltados: ameaçado de ter sua carreira destruída e sua família morta se revelar qualquer deslize, ele se vê envolvido em chantagem, corrupção, tráfico de drogas e homicídio e passa a questionar suas chances de terminar o dia com vida.

Dirigido com segurança por Fuqua - que imprime ao filme uma tensão palpável e uma violência crível que utiliza os clichês do gênero a seu favor - "Dia de treinamento" é um policial politicamente incorreto, que não tem medo de retratar latinos e negros como traficantes e vilões, seguindo o caminho inverso do cinema comercial americano de seu tempo, sempre pisando em ovos para não se indispor com nenhuma comunidade. Chegando às últimas consequências em seu desenvolvimento, o roteiro de David Ayer - que se tornaria especialista em tramas semelhantes nos anos seguintes - praticamente coloca o espectador no banco de trás do carro de Alonzo, sentindo na pele todo o drama de Hoyt em sua tentativa de sobreviver ao pior dia de sua vida. Essa cumplicidade entre plateia e herói é o grande trunfo do filme - além da atuação de Washington - e o que faz com que ele se sobressaia a tantas outras produções similares. É um belo entretenimento, para adultos que buscam diversão longe dos blockbusters inconsequentes oferecidos por Hollywood.

LEGALMENTE LOIRA

LEGALMENTE LOIRA (Legally blonde, 2001, MGM Pictures, 96min) Direção: Robert Luketic. Roteiro: Karen McCullah, Kirsten Smith, romance de Amanda Brown. Fotografia: Anthony B. Richmond. Montagem: Anita Brandt Burgoyne, Garth Craven. Música: Rolfe Kent. Figurino: Sophie de Rakoff Carbonell. Direção de arte/cenários: Melissa Stewart/Kathy Lucas. Produção: Ric Kidney, Marc Platt. Elenco: Reese Witherspoon, Luke Wilson, Matthew Davis, Selma Blair, Victor Garber, Ali Larter, Jennifer Coolidge, Raquel Welch. Estreia: 26/6/01

A princípio parece apenas e simplesmente mais uma comédia bobinha que celebra a futilidade e as aparências - e no fundo talvez seja exatamente isso. Mas o fato é que "Legalmente loira", ao eleger como protagonista uma patricinha incurável (e por isso mesmo adorável) tentando encontrar seu lugar em um mundo hermético a suas ideologias estéticas e hedonistas, tornou-se um sucesso instantâneo de bilheteria, arrecadando quase 100 milhões de dólares somente no mercado doméstico - e uma pequena fortuna ao redor do mundo, também seduzido pelo carisma de sua atriz principal, Reese Witherspoon -  no filme que fez dela uma estrela milionária cinco anos antes de seu Oscar por "Johnny & June".

Escolha perfeita para o papel central, Witherspoon vive com graça e excelente timing cômico a superficial e popular Elle Woods, principal referência de estilo, beleza e moda dentre suas amigas da fraternidade estudantil. Sua vida aparentemente perfeita vira do avesso, porém, quando seu namorado, Warner (Matthew Davis) - igualmente belo, popular e invejado - termina o namoro às vésperas de viajar para começar a faculdade de Direito: segundo ele, seus planos sérios de chegar à política americana estão ameaçados se ele mantiver a seu lado uma garota como Elle, fútil e incapaz de transmitir uma imagem sóbria e adulta. Desesperada e ofendida em seus princípios, a jovem não fica muito tempo na fossa e logo descobre uma maneira de provar ao rapaz que ele está errado em seu julgamento. Disposta a reconquistá-lo, Elle resolve também entrar na faculdade de Direito e depois de muito estudo, consegue nota suficiente para fazer parte do corpo discente da rígida Harvard. Praticamente ridicularizada por suas roupas de marca, sua aparência espalhafatosa e por seus modos poucos comuns aos alunos da universidade, ela ainda precisa enfrentar seu maior desafio: provar seu valor intelectual e roubar Warner de sua noiva, a séria e insossa Vivian Kesington (Selma Blair).

Para atingir seus objetivos, Elle não mede esforços e consegue ser chamada por seu professor, Callahan (Victor Garber), para fazer parte de um grupo de estudantes que o ajudará a defender uma cliente acusada de assassinar o marido milionário. Tal cliente, Brooke Taylor Windham (Ali Larter), famosa por seus vídeos de ginástica, acaba se identificando com Elle, para desprezo de Vivian, surpresa de Warner e admiração do sócio de Callahan, Emmett (Luke Wilson), que aos poucos passa a se interessar romanticamente pela desmiolada estudante. Enquanto isso, ela arruma tempo também para ajudar sua manicure, Paulette (a ótima Jennifer Coolidge) a conquistar o homem responsável pela correspondência de seu salão de beleza. Seus modos cativantes e honestos por fim terminam por derrubar as barreiras que a separam dos sisudos e preconceituosos colegas de faculdade.

Uma espécie de conto de fadas capitalista e hedonista, "Legalmente loira" cumpre com louvor seu papel de divertir sem compromisso: sua história simples e direta - baseada em romance de Amanda Brown -  não desperdiça tempo com subtramas desnecessárias (até mesmo a história de amor de Paulette é contada de forma rápida e eficaz) nem tampouco tenta ser mais do que simples entretenimento. Sua opção em não aprofundar seus personagens, ficando sempre na superfície de seus sentimentos de certa forma ecoa a personalidade do filme, uma trama cor-de-rosa e ligeira feita apenas para entreter despretensiosamente. Seu enorme sucesso - que acabou por gerar uma continuação fraca e anêmica - é uma prova de que, apesar dos dramas premiados, das superproduções milionárias e dos filmes independentes com ambições intelectuais maiores, sempre haverá espaço, no coração do público, para o riso fácil e ingênuo.

A PROFESSORA DE PIANO

A PROFESSORA DE PIANO (La pianiste, 2001, Arte France Cinéma/Bavaria Film International, 131min) Direção: Michael Haneke. Roteiro: Michael Heneke, romance de Elfried Jelinek. Fotografia: Christian Berger. Montagem: Nadine Muse, Monika Willi. Figurino: Annette Beaufays. Direção de arte/cenários: Christoph Kanter/Hans Wagner. Produção executiva: Yvon Crenn, Christine Gozlan, Michael Katz. Produção: Veit Heiduschka. Elenco: Isabelle Huppert, Annie Girardot, Benoit Magimel, Susanne Lothar, Udo Samel. Estreia: 14/5/01 (Festival de Cannes)

O público que lotou as salas de cinema para assistir ao tenebroso "Cinquenta tons de cinza" deveria recorrer ao cineasta austríaco Michael Haneke para entender com mais precisão os confusos desvãos da mente sadomasoquista. Ao eleger como protagonista uma singela musicista que mora com a mãe - com quem mantém uma relação de amor e ódio - e que busca na dor uma válvula de escape para dominar sua solidão e repressão sexual, o diretor (indicado ao Oscar em 2013 pelo devastador "Amor") criou polêmica e deu à extraordinária Isabelle Huppert um dos papéis mais marcantes de sua carreira. Baseado em um livro de Elfried Jelinek, "A professora de piano" estreou no Festival de Cannes de 2001 e, a despeito de seu tema controverso, agradou à crítica graças à elegância e sutileza com que ele foi tratado. Não é um filme para qualquer público - é lento, inteligente e construído sem exageros, além de ter um final em aberto que pode incomodar - mas é, inegavelmente, um belíssimo conto sobre o amor e a obsessão.

Erika Kohut, interpretada com devastador minimalismo por Isabelle Huppert, é uma professora de piano solteira e solitária que substituiu uma relação conjugal com a dedicação a seus alunos, a quem trata com igual frieza e altos níveis de exigência. Morando com a mãe (Annie Girardot) - o pai está internado em um manicômio - ela tampouco tem talento suficiente para apresentar-se em concertos, contentando-se em ser a estrela de recitais domésticos, onde é aplaudida entusiasticamente pela alta sociedade. Em uma dessas apresentações ela conhece o jovem Walter Klemmer (Benoit Magimel), um rapaz cuja paixão pela música não esconde o desejo que passa a sentir por ela, para seu próprio espanto. O que Walter não sabe é que, por debaixo da aparente elegância e sofisticação de Erika se esconde uma mulher torturada por uma luxúria inusitada: sem que ninguém desconfie, ela frequenta sex-shops para assistir a vídeos pornô, cheira lenços sujos de sêmen de desconhecidos, pratica automutilação sexual e lida de forma doentia com a dubiedade de sua vida pessoal.

O encontro entre Erika e Walter deflagra uma inesperada relação, desmedida e baseada na rejeição e no desejo reprimido. Incapaz de viver um relacionamento saudável, a professora se entrega a um jogo de dominação doentia, a ponto de escrever uma carta com suas exigências ao jovem candidato a amante, que, pego de surpresa com tamanho detalhismo põe em dúvida seus próprios sentimentos. Não é de espantar que tanto Benoit Magimel quanto Isabelle Huppert tenham sido premiados no Festival de Cannes - de onde o diretor Michael Haneke saiu também com o prêmio especial do júri. Enquanto Magimel transmite com exatidão toda a vastidão de sentimentos de um personagem cuja passividade se transforma em uma raivosa violência no terço final, Huppert entrega uma interpretação avassaladora como Erika, cujo silêncio e modos reservados escondem um furacão indomável. Imprevisível e perigosa, a sua professora de piano é uma das personagens mais psicologicamente complexas que o cinema já ofereceu, e o trabalho de Isabelle é absolutamente irretocável, tanto em seu olhar quase vazio quanto em seus momentos de crueza e maldade - a maneira como lida com uma aluna de quem sente inveja e ciúme é de arrepiar, assim como a naturalidade com que usa uma lâmina de barbear para cortar a vagina pouco antes de sentar-se à mesa para jantar como se nada tivesse acontecido.

É lógico que os fãs de "Cinquenta tons de cinza" não iriam compreender todo o alcance psicológico e a densidade dramática de "A professora de piano", que utiliza o sexo como gatilho para uma série de elocubrações que passam longe de qualquer superficialidade. Quando Haneke filma cenas sensuais entre seus personagens não é com a intenção de excitar a plateia e sim incomodá-la, deixá-la desconfortável e tensa. Seus objetivos são atingidos com louvor, em sequências nunca menos que constrangedoras, que afastam qualquer tipo de relação entre sexo e prazer sem culpa. Só por levantar a questão do sadomasoquismo sem brincadeiras e sem preconceitos, o cineasta já mereceria aplausos fervorosos. Por unir a isso a atuação exemplar de Isabelle Huppert sua obra torna-se obrigatória e imperdível.

ENTRE QUATRO PAREDES

ENTRE QUATRO PAREDES (In the bedroom, 2001, Good Machine/Standard Film Company, 130min) Direção: Todd Field. Roteiro: Rob Festinger, Todd Field, estória "Killings", de Andre Dubus. Fotografia: Antonio Calvache. Montagem: Frank Reynolds. Música: Thomas Newman. Figurino: Melissa Economy. Direção de arte/cenários: Josh Outerbridge. Produção executiva: Ted Hope, John Pennotti. Produção: Todd Field, Ross Katz, Graham Leader. Elenco: Sissy Spacek, Tom Wilkinson, Marisa Tomei, Nick Stahl, William Mapother, Celia Weston, Karen Allen. Estreia: 19/01/01 (Festival de Sundance)

5 indicações ao Oscar: Melhor Filme, Ator (Tom Wilkinson), Atriz (Sissy Spacek), Atriz Coadjuvante (Marisa Tomei), Roteiro Adaptado
Vencedor do Golden Globe de Melhor Atriz /Drama (Marisa Tomei) 

Coadjuvante de filmes de grande bilheteria - "Twister" (96) - e de prestígio junto à crítica - "De olhos bem fechados" (99), de Stanley Kubrick - e experiente diretor de curtas-metragem (além de um episódio da telessérie "Once and again"), o ator Todd Field começou com o pé direito sua carreira como cineasta: ao adaptar para as telas um conto do escritor Andre Dubus sobre um casal de meia-idade abalado pela morte violenta do filho único, ele conseguiu a rara façanha de, logo em sua estreia, chegar à festa da Academia indicado em cinco importantes categorias, incluindo melhor filme, ator e atriz. Narrado em um tom minimalista que lembra o cinema europeu, "Entre quatro paredes" ainda deu à Sissy Spacek o Golden Globe de melhor atriz dramática - ela perdeu o Oscar para Hale Berry em "A última ceia", mas seu trabalho é um dos mais intensos de sua trajetória artística. Além dos elogios da crítica - e dos prêmios de melhor filme de estreia, melhor ator e melhor atriz na festa dos Independent Spirit Awards, o Oscar das produções independentes - a obra serviu também para dar uma nova chance à Marisa Tomei, que deixou de ser uma piada por sua estatueta de coadjuvante por "Meu primo Vinny" (92) para conquistar respeito como atriz dramática.

Em uma pequena cidade do Maine, o jovem estudante Frank Fowler (Nick Stahl) resolve dar um tempo na faculdade de arquitetura para manter o romance de verão que iniciou com a bela Natalia (Marisa Tomei, indicada ao Oscar de atriz coadjuvante), uma mulher mais velha, separada e pai de dois filhos pequenos. Sua decisão não tem o apoio de seus pais, o médico Matt (Tom Wilkinson) e a professora de música Ruth (Sissy Spacek), que, no entanto, não se intrometem na relação para evitar maiores conflitos. A situação aparentemente resolvida sofre uma violenta reviravolta, porém, quando Richard Strout (William Mapother), ex-marido de Natalie, mata o jovem durante uma discussão e, por ser de uma família influente no local, é solto para aguardar o julgamento em liberdade. Torturados pela tristeza e pela culpa, Matt e Ruth precisam ainda lidar com o fato de cruzarem frequentemente com o assassino de seu filho pelas ruas da cidade e com a possibilidade de uma injustiça.

Enfatizando mais a opressão cotidiana da cidade onde se passa a história e os sentimentos de desespero dos protagonistas do que um roteiro frequentemente carente de grandes acontecimentos - até mesmo o homicídio é mostrado com uma discrição que afasta o filme da maioria das produções hollywoodianas - "Entre quatro paredes" é quase um estranho no ninho dentro do cinema dramático americano. Todd Field entra no lar da família Fowler como uma testemunha invisível e silenciosa, lendo seu pensamento e justificando suas drásticas decisões sem sublinhar de forma óbvia as consequências dos atos de seus personagens. A trilha sonora do veterano Thomas Newman é sutil, quase tênue, refletindo a opção de Field em tratar sua obra com o máximo de economia. Tal decisão, ao mesmo tempo em que dá personalidade ao filme, impede uma identificação maior do público, que pode estranhar tamanha frieza no tratamento tão distante de uma história capaz de despertar tantas emoções e revolta. A sorte do cineasta é que, a despeito da aparente frieza do roteiro, seus atores estão absolutamente fantásticos.

Capaz de dizer muito com apenas um olhar, Sissy Spacek está brilhante na pele de Ruth Fowler, uma mulher pacata e discreta que vê sua vida desmoronar de uma hora para outra e não consegue lidar com os meandros frequentemente cruéis da justiça. Tom Wilkinson (indicado ao Oscar de melhor ator) interpreta seu Matt como um animal domesticado que percebe estar voltando a suas origens quando é desafiado a conviver com uma dor que não se ameniza com o passar dos dias. E Marisa Tomei não precisa de muitas cenas para convencer o público de toda a complexidade de sentimentos de sua Natalie, a catalisadora involuntária de um desastre sem precedentes que destroi tudo a seu redor. A cena em que sua personagem reencontra Ruth depois da morte de Frank é uma das mais fortes do filme, mesmo que abdique de gritos e lágrimas em exagero.

Uma história contada em tom menor, "Entre quatro paredes" pode emocionar aos mais sensíveis, mas sofre de um ritmo lento em demasia que prejudica o envolvimento de um público maior - além de um desfecho anti-climático que apenas reitera sua opção em fugir dos clichês melodramáticos do cinemão ianque.